MUSIK TOTAL

Video from video from alonso mudurra

2009-12-21T23:45:00.003+09:00

This is a video of mudurra alonso. please if you want to download

Free download Score and Music by Alonso Mudarra

2009-12-21T23:01:00.004+09:00

If you are interested to see, hear, and studied the works of composer John Dowland, please click on the links below

Fantasia X.pdf

Fantasia x mudarra- download

found at bomb-mp3 search engine

Recuerde el Alma Dormida Mudarra.pdf

Jacob H and Catherine K - download

found at bomb-mp3 search engine

Gallarda.pdf

Gallarda mp3

Biography of Alonso Mudarra

2009-12-21T20:55:00.002+09:00

Alonso Mudarra (c. 1510 – April 1, 1580) was a Spanish composer and vihuelist of the Renaissance. He was an innovative composer of instrumental music as well as songs, and was the composer of the earliest surviving music for the guitar.

The place of his birth is not recorded, but he grew up in Guadalajara, and probably received his musical training there. He probably went to Italy in 1529 with Charles V, in the company of the fourth duke of the Infantado, Íñigo López de Mendoza, marqués de Santillana. When he returned to Spain he became a priest, receiving the post of canon at the cathedral in Seville in 1546, where he remained for the rest of his life. While at the cathedral, he directed all of the musical activities; many records remain of his musical activities there, which included hiring instrumentalists, buying and assembling a new organ, and working closely with composer Francisco Guerrero for various festivities. Mudarra died in Seville, and his sizable fortune was distributed to the poor of the city according to his will.

Mudarra wrote numerous pieces for the vihuela and the four-course guitar, all contained in the collection Tres libros de musica en cifras para vihuela, which he published on December 7, 1546 in Seville. These three books contain the first music ever published for the four-course guitar, which was then a relatively new instrument. The second book is noteworthy in that it contains eight multi-movement works, all arranged by "tono", or mode.

Compositions represented in this publication include fantasias, variations (including a set on La Folia), tientos, pavanes and galliards, and songs. Modern listeners are probably most familiar with his Fantasia X, which has been a concert and recording mainstay for many years. The songs are in Latin, Spanish and Italian, and include romances, canciones, villancicos, and sonnets. Another innovation he used was separate signs for different tempos: slow, medium, and fast.

References and further reading

John Griffiths: "Alonso Mudarra", Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed March 24, 2005), (subscription access)
Gustave Reese, Music in the Renaissance. New York, W.W. Norton & Co., 1954. ISBN 0-393-09530-4
Guitar Music of the Sixteenth Century, Mel Bay Publications (transcribed by Keith Calmes)
The Eight Masterpieces of Alonso Mudarra, Mel Bay Publications (transcribed by Keith Calmes
Fantasia VI in hypermedia (Shockwave Player required) at the BinAural Collaborative Hypertext
Jacob Heringman and Catherine King: "Alonso Mudarra songs and solos". Magnatune.com (http://www.magnatune.com/artists/albums/heringman-mudarra/hifi_play)

Free download Score and Music by John Dowland 3

2009-12-01T03:29:00.005+09:00

If you are interested to see, hear, and studied the works of composer John Dowland, please click on the links below

SCORE

Dowland 1

Dowland 2

Dowland 3

Free download Score and Music by John Dowland 2

2009-12-01T01:41:00.003+09:00

If you are interested to see, hear, and studied the works of composer John Dowland, please click on the links below

king of denmarks KOD

earl of essex earl of essex

sir john sir john

henry noel henry noel

giles hobies giles hobies

nicholas nicholas

thomas thomas

captain captain

19 m buctons 19 m buctons

george george

Free download Score and Music by John Dowland

2009-11-27T23:08:00.010+09:00

If you are interested to see, hear, and studied the works of composer John Dowland, please click on the links below

SCORE lachrimae antiquae antiquae 1 antiquae 2

AUDIO lachrimae antiquae antiquae 5 antiquae S

SCORE lachrimae gementes gementes 1 gementes 2 gementes 3

AUDIO lachrimae gementes gementes T gementes S gementes 5

SCORE lachrimae tristes tristes 1 tristes 2 tristes 3

AUDIO lachrimae tristes tristes T tristes T tristes 5 tristes not tristes

SCORE lachrimae coactae coactae T coactae S coactae 5

AUDIO lachrimae coactae coactae T coactae S coactae 5

SCORE lachrimae amantis amantis T amantis S amantis 5

AUDIO lachrimae amantis amantis T amantis S amantis 5

SCORE lachrimae verae verae TP verae T verae S verae 5

AUDIO lachrimae verae verae T verae S verae 5

semper dowland semper_dowland

sir henry semper_dowland

john_langtons semper_dowland

biography of John Dowland

2009-11-27T21:56:00.002+09:00

John Dowland[1] (1563 – buried 20 February 1626) was an English composer, singer, and lutenist. He is best known today for his melancholy songs such as "Come, heavy sleep" (the basis for Benjamin Britten's Nocturnal), "Come again", "Flow my tears", "I saw my Lady weepe" and "In darkness let me dwell", but his instrumental music has undergone a major revival, and has been a source of repertoire for classical guitarists during the twentieth century.

Very little is known of Dowland's early life, but it is generally thought he was born in London. Irish historian W. H. Grattan Flood claimed that he was born in Dublin, but no corroborating evidence has ever been found. In 1580 Dowland went to Paris, where he was in service to Sir Henry Cobham, the ambassador to the French court, and his successor, Sir Edward Stafford. He became a Roman Catholic at this time. In 1594 a vacancy for a lutenist came up at the English court, but Dowland's application was unsuccessful - he claimed his religion led to his not being offered a post at Elizabeth I's Protestant court. However, his conversion was not publicized, and being Catholic did not prevent some other important musicians (such as William Byrd) from having a court career in England.

In 1597 Dowland published his "First Book of Songs" in London. This collection of lute-songs was set out in a way that allows performance by a soloist with lute accompaniment or various combinations of singers and instrumentalists.

From 1598 Dowland worked at the court of Christian IV of Denmark, but he continued to publish in London. He returned to England in 1606 and in early 1612 secured a post as one of James I's lutenists. There are no compositions dating from the moment of his royal appointment until his death in London in 1626. While the date of his burial is recorded, the exact date of his death is not known.

Most of Dowland's music is for his own instrument, the lute. It includes several books of solo lute works, lute songs (for one voice and lute), part-songs with lute accompaniment, and several pieces for viol consort with lute. The poet Richard Barnfield wrote that Dowland's "heavenly touch upon the lute doth ravish human sense."

One of his better known works is the lute song "Flow my tears", the first verse of which runs:

              Flow, my tears, fall from your springs,

                    Exiled for ever, let me mourn

              Where night's black bird her sad infamy sings,

                      There let me live forlorn.

He later wrote what is probably his best known instrumental work, Lachrimae, or Seaven Teares, Figured in Seaven Passionate Pavans, a set of seven pavanes for five viols and lute, each based on the theme derived from the lute song "Flow my tears". It became one of the best known collections of consort music in his time. His pavane, "Lachrymae antiquae", was also popular in the seventeenth century, and was arranged and used as a theme for variations by many composers.

Dowland's music often displays the melancholia that was so fashionable in music at that time. He wrote a consort piece with the punning title "Semper Dowland, semper dolens" (always Dowland, always doleful), which may be said to sum up much of his work.

Dowland's song, "Come Heavy Sleepe, the Image of True Death", was the inspiration for Benjamin Britten's "Nocturnal after John Dowland for guitar", written in 1964 for the guitarist Julian Bream. This work consists of eight variations, all based on musical themes drawn from the song or its lute accompaniment, finally resolving into a guitar setting of the song itself.

Richard Barnfield, Dowland's contemporary, refers to the lutenist in poem VIII of The Passionate Pilgrim (1598):

              If music and sweet poetry agree,

              As they must needs, the sister and the brother,

              Then must the love be great 'twixt thee and me,

              Because thou lovest the one, and I the other.

              Dowland to thee is dear, whose heavenly touch

              Upon the lute doth ravish human sense;

              Spenser to me, whose deep conceit is such

              As, passing all conceit, needs no defence.

              Thou lovest to hear the sweet melodious sound

              That Phoebus' lute, the queen of music, makes;

              And I in deep delight am chiefly drown'd

              When as himself to singing he betakes.

              One god is god of both, as poets feign;

              One knight loves both, and both in thee remain

Dowland also performed a number of espionage assignments for Sir Robert Cecil in France and Denmark. The Danish Royal Archives preserve an intercepted letter to Dowland from Stephen Messieur, instructing Dowland in unequivocal terms to gather information at the Danish court

In 1935, Australian-born composer Percy Grainger, who had a deep interest in music made before Bach, arranged Dowland’s Now, O now I needs must part for piano. Some years later, in 1953, Grainger wrote a work titled Bell Piece (Ramble on John Dowland’s ‘Now, O now I needs must part’), which was a version scored for voice and wind band, based in his previously mentioned transcription. Dowland's music became part of the repertoire of the early music revival with lutenist Julian Bream and tenor Peter Pears, and later with Christopher Hogwood and David Munrow and the Early Music Consort in the late 1960s and later with the Academy of Ancient Music from the early 1970s. The complete works of Dowland have been recorded in a boxed set by the Consort of Musicke. The 1999 ECM New Series recording In Darkness Let Me Dwell features new interpretations of Dowland songs performed by tenor John Potter, lutenist Stephen Stubbs, and baroque violinist Maya Homburger in collaboration with English jazz musicians John Surman and Barry Guy. Elvis Costello included a recording (with Fretwork and the Composers Ensemble) of Dowland's "Can she excuse my wrongs" as a bonus track on the 2006 re-release of his The Juliet Letters. In October 2006, Sting, who has been described as a fan of Dowland's music [4], released an album featuring Dowland's songs titled Songs from the Labyrinth, on Deutsche Grammophon, in collaboration with Edin Karamazov on lute and archlute. They described their treatment of Dowland's work in a Great Performances appearance.[5] To give some idea of the tone and intrigues of life in late Elizabethan England, Sting also recites throughout the album portions of a 1593 letter written by Dowland to Sir Robert Cecil. The letter documents Dowland's travels to various points of Western Europe, then breaks into an abrupt denial of charges of treason whispered against Dowland by unknown persons. He most likely was suspected of this for traveling to the courts of various Catholic monarchs and accepting payment from them greater than what a musician of the time would normally have received for performing. Other interpretations of Dowland's songs have been recorded by Windham Hill artist, Lisa Lynne, (for her CD, Maiden's Prayer) and Lise Winne (for her Wing'd With Hopes, New Interpretations of Renaissance Songs CD). Several bands, such as Die Verbannten Kinder Evas, Aesma Daeva and Qntal, have recorded albums featuring lyrics by John Dowland. The countertenor Andreas Scholl sings in Crystal Tears English consort songs with Concerto Viole of Basel (http://www.andreasschollsociety.org/discography.htm)

biography Sahakduxt

2009-11-27T20:20:00.002+09:00

Sahakduxt was an Armenian composer of hymns, poet, and pedagogue who lived in the 8th century. An ascetic, she lived in a cave in the Garni Valley, near present-day Yerevan; there she produced ecclesiastical poems as well as liturgical chants. Of these, the only one to survive is Srbuhi Mariam ("St. Mary"), a nine-stanza acrostic verse. It is believed that many of her hymns were dedicated to the Virgin Mary

Some of them are supposed to have helped to further shape the genre in subsequent centuries. Sahakduxt is also known to have taught lay music lovers and clerical students a number of sacred melodies; this she did while seated behind a curtain, as the mores of the period required.Her brother was the music theorist Stepannos Syunetsi.

biografi Khosrovidukht

2009-11-27T19:01:00.005+09:00

Khosrovidukht (Armenian: Խոսրովիդուխտ) was an Armenian hymnographer and poet who lived during the 8th century. One of the earliest women musicians, she is recorded as having been a member of the royal family, but here accounts differ as to her historical importance. Some sources hold that in the 8th-century, her brother was abducted by Muslim Arabs; following this, she was taken to the fortress of Ani-Kamakh, now known as Kemah, where she lived in isolation for twenty years.

Khosrovidukht is reputed to be the composer of a šarakan, or canonical hymn, titled "Zarmanali e Ints" ("Wondrous it is to me"). According to some sources, it honors the memory of her brother, who was assassinated in 737 for converting to Christianity. Although the subject of the piece is secular, it was sanctioned for use in services by the Armenian Church.

A recording of the šarakan exists, performed by the Sharakan Early Music Ensemble.

please download an example of a song from Khosrovidukht by clicking on the link below:

download

Three-part song forms

2009-11-23T13:43:00.004+09:00

If the two-part song form has AB pattern, the pattern of three part is A-B-A. The third part is not merely repetition but a statement back with some changes. This form has a pattern in various sizes which include: a period of three parts, three-part song form the beginning, three-part song form, the form of song three part of the expanded, five-part forms, forms with a trio of songs, rondo forms, sonatine and sonata.

Three-part song form the beginning

Three-part song form consisting of the initial 16-bar and is a song form the smallest of three parts. Part I consists of two phrase, which form whether parallel or contrast, which consists of four bars. Part two contains a four-bar phrases. Part III is statement returned one or more of the phrases in Part I, whether exactly or with modifications.

If Part I go round the parallel period of Part III using the wrong one of antiseden or consequent phrase. Kadens at the end of Part I and III generally is authentic while at kadens Part II can be kadens half and authentic. Basic pattern is as follows:

    Part III of raw materials in the form of three-part songs

There are two possible repetition of this pattern is as follows:

           Repetition in the form of three-part songs

Bentuk lagu tiga bagian reguler

The shape of this three-part songs often found in the works instrumental and vocal solos that are categorized as small. Introduction of there are two types of (simple or independent) in the works is generally used. Introduction of more independent found in the works than the piano solo ensemble or solo with accompaniment and vice versa. Nevertheless the the works of this rare form of the song is preceded by an introduction.

The length of Part I are generally composed / ranges from one period up to a period of double or group of phrases and terminated by kadens authentic. Part II can be composed / ranged from one phrase to double periods or groups of phrases. Usually in this section are expansion possibilities.

Melodies Part II can be transposition of melodies Part I, which often in dance forms. If not, then taken from Part I, whether from just a figure or motif found in beginning of the phrase. Or if not both then Part II may contain material new, independent.

While Part I is usually terminated by kadens authentic, Part II usually dlam kadens half. Compared with between Part I and Part II, auxiliary mebers often exist between Part II and Part III which of them can consist of several or one of kodeta, Interlude, dissolution, and retransisi.

A repetition of change in Part III can occur through either one way of processing that is exactly or with slight modifications, expansion and addition of new material to be more length of Part I, completely modified but still features Part I still be recognized, or a transposition of part I.

Form of two-part songs

2009-11-23T12:54:00.004+09:00

Two-part song form is the best example of a binary structure The second simple structurally balanced division has resemblance to the units that combined to form patterns a wider, and can be illustrated as follows:

                Formula formation period

In the form of a song in two parts each part has a characteristic individually distinct. There are two categories of songs in two parts: (1) simple, (2) yg expanded.

Two-part song form a simple reply:

The length of the first part can occur from one phrase to the period double. Kadens cover the first part can occur in four possibilities:

Authentic, the tonic of the dominant.
Authentic, in the tonic key relative
Kadens half the dominant
Tonic Kadens authentic in its original key

The length of the second part also ranged from a phrase to double period. Its features can be in the same key The first part, or in the relative key. Kadens end is authentic in the original key. Often occurs Part I and II have a long same. If not, the second part is generally longer.

Examples of this form can be listened to Irish folk songs, Londonderry Air following:

        Melody composed of two parts of the song

Two-part song form an extended

Song form an extended two-part can be distinguished from type simple form through four things. The first is the presence of pieces of connective and supporting (auxiliary member) such as the introduction, kodeta, koda or postlude. The second characteristic is that the length of Part I is never less than one period while The third characteristic is that Part II is usually longer than Part I. Last characteristic is that the two parts can be repeated.

Songs Forms 1

2009-11-19T13:48:00.006+09:00

In the second and third chapter, we discussed the sub units phrases and sub-structures that ends with a discussion of system perkalimatan in tonal music that became the basis for knowledge about the form of song. In this chapter discussed the basic forms of music which includes the song forms of two and three parts.

Terms of song (song form) is used to identify patterns both instrumental and vocal music. The origin of the word forms song taken from the structure found at the short songs or 'm like folksong and hymn. Structural parts of the main These forms are called 'section' (parts). Therefore, the term of two part (two-part) or three parts (three-part) rather than referring to involvement of the sound (voices) or the instrument but in the parts basic system melody lines.

Supporting elements

Form songs ranging from the simplest of the forms one to five parts. In between the parts (parts) there are several possible elements that serve as insertion supporters who refine the relationship between the parts it. The larger a musical composition, the greater Besides the involvement of the supporting elements as well as otherwise. Simple composition is formed only from the form one part of the song and does not require general elements supporters. Among these elements are:

introduction

Introduction is an instrumental section at the beginning a composition which is usually followed immediately by a statement of the theme or the main part (main part). Introduction There are two kinds of "Simple introduction usually contains an accompaniment pattern or akorakor introduction and the second is the introduction of a stand-alone (independent introduction). Three things that distinguish it from type the first is about the length, character and kadensnya. In short works, the introduction consists of four bars while at work Long may consist of a couple of divisions. On appeal to the simple introduction which contains only accompaniment the rhythmic pattern of static, This introduction has its own melody with rhythmic patterns different characteristic from the main body of a composition. Introduction of This is usually terminated by a kadens.

transition

Transitions are part of nature as a liaison introduction of the one part to another. Two main functions transition is as modulation processing and as a liaison. In the process of modulation means that this part of the basic keys to bring other key functions, while the second gives the effect logical relationship between the differences in the two trerdapat section / section / theme. In this case the transition is necessary because a part can not be followed directly by another part. This needs was clearly visible on the recapitulation of sonata form, namely at the time of the transition section connecting the two key themes in the same.

Short transition can occur in one bar and sometimes commonly referred to as a piece of "bridge" (bridge passage) while at work longer could even consist of two section or more. If the material used stand alone usually episode called transition (transitional episode).

Retransisi

Retransisi is the link that delivers a part of the theme or part of the previously ever present. If using figures and motifs from the part that will come these elements are re-called anticipatory retransisi (anticipatory transition).

Kodeta

Kodeta literally means "little koda" which follows a part, section or theme. One of its functions is to kadens confirm. Accordingly there are two kinds kodeta. The first is the "harmonious kodeta" who uses harmonies used at the end of a phrase that followed. These types are often composed of a two-bar unit. In this case a melody which is taken from the previous phrase has a less important role. The second is "kodeta melodic" ie consists of four bars or more and may contain figures which used in the previous phrase or completely new material. Kodeta may appear in the middle or at the end of a composition, ie on Koda closure or postlude. In the music usually polifonis kodeta an additional statement from the subject after kadens authentic or sometimes deseptif.

Interlude

Interlude is a piece (passage) which stands alone among a theme and repetition or between two parts of generally ranging in length from one to eight bars. The material contained in the introduction can also be reused in Interlude section. There is also a function of the possible combinations retransisi and Interlude.

sexy

Section is a portion of the composition of which has a characteristic melodic clear and terminated by a clear kadens (definiti). This term is applied both homofoni forms and polyphony. In the form of polyphony for example, the development (development) of a sonata form consists of different sections. Meanwhile, in the forms of polyphony sections are also present in invention and fugue.

episode

In music and polyphony homofoni used the term episode differently. A part of a rather long, often derived from previous thematic material and are leaving the subject or theme. In the fugue and the invention, the episode is a piece of only a fragment that uses the thematic or counter-thematic material. In the musical episode of the rather homofoni composed of long sections of the episode while in polyphony is a part or a stand-alone section. The term also episode is sometimes used to identify the second theme in rondo form.

Dissolution

Dissolution is a special type of expansion in which there are one or more figures from the direct thematic material come earlier and processed by repetition, sequencing, and modulation. Dissolution follow a theme or section, and leads to a transition or a new section.

coda

Derived from the Italian which means tail. Is a pieces that come after the last part of the theme or the last. Short composition does not contain koda but kodeta or Direct final section with a short kodeta. Koda can consist dasri several sections, with material taken from several portions composition that appears earlier. New material is also sometimes used.

Postlude

Postlude is a stand-alone section at the end of a work which can also appear as part of the end of a koda. Postlude different from koda because the material is different. Material standing themselves on polude also occurs in the introduction. Hence postlude goal is to unite (framing) the integrity of the composition. Approximately commensurate with the conclusion as opposed to the introduction.

Sentences form (period)

2009-11-19T11:59:00.007+09:00

Sentence melody formed from the combination of a few phrases consists of three forms of the period of default, the extension period, and period contrasts.

Standard period

A period or a standard sentence consists of two phrases, which The first is called antecedent and consequent are both called. Nature antecedent is the interrogative and kadens usually terminated by a non-final (half). While consistently responsive and terminated by kadens authentic:

                        The basic structure of the period

Sebagai contoh dari bentuk in ialah pada ekstrak bagian terakhir Simfoni No. 1 karya Brahms berikut ini:

                         Form of the sentence / period

Parallel Period

A period can be identified as parallel or contrast, depending on the relationship in antra melodic phrase and the antecedent consequently. Called parallel if the melody on the second phrase is similar to The first is the similarities are there in the beginning phrase. In the parallel period of at least the first bar of the consequent similar to the first bar antecedent. Generally the whole of The second phrase kadens similar to but not including kadens, extracts as shown in the last section Symphony No. 9 works Beethoven the following:

                               Parallel Period

Consequently sentence resemblance to the antecedent in extension period can occur in several ways with identity (similar to the first bar), with transposition, with decorations, and the similarity of contour. Through the latter, melody consequently is a sequence of modified or repetition antecedent Modified.

Period contrast

Period contrast occurs when the melody in different consequent with the antecedent phrase. So although both can be similar rhythm or the same, but if the melody is different in the second phrase called the period of contrast.

                           Sample period contrasts

Irregular phrase

2009-11-16T15:49:00.005+09:00

A phrase is called irregular if it has more or less than four bars. Irregular situation of a phrase can be made possible by two things: (1) was originally irregular, (2) irregular as a result of composition process is generally through the expansion and occasionally also contraction.

Original irregular situation

Irregular phrases can occur between two and eight bars. This phenomenon is usually found on new works or musical century to-20 (Modern). At a bar bermetrik 11/4 Sonata Op. 1 of Harris implied figure with three three-metric changes of 4/4, 3/4, and 4/4.

               Phrase that consists of one bar

Another example of this type of irregular phrase is Minueto extract from Symphony No. Mozart 40 consists of three measures:

                      Three-bar phrase

Cause irregular expansion

Perluasan frase dapat terjadi di tiga tempat yaitu di awal, di tengah dan di akhir suatu frase.

Expansion in the early

Expansion in the early going before an actual phrase begins but does not stand alone but is part of the phrase itself. Part of this expansion occurred in the two possibilities. A The first is the anticipated figure of the melody by taking the first phrase or an extension of the first tone and the game just the beginning accompaniment pattern in order to anticipate the melody. Second accompaniment pattern of the game one or two bars before the phrase melody began. This is identical with a simple introduction.

Expansion in the phrase

Expansion of the phrase occurs before the presence kadens with processing possibilities such as repetition or sequence of a bar or a figure, either exact or modified. Another possibility is an extension of a tone or chord, and development of a rhythmic figure.

Expansion at the end of the phrase

Expansion at the end of the phrase generally is one of the The following phenomena are: the repetition of the last half-bar, the last half-bar sequence, the repetition of past patterns, and repetition kadens group. Type repetition kadens group which occurs in this type of expansion is the repetition of harmony kadens the two last bars without repeating melodies and repetition kadens groups involving two harmony. Besides possibilities mentioned above kemingkinan expansion at the end of the phrase can also include the addition of new kadens

SENTENCE grammatical melody

2009-11-16T14:45:00.007+09:00

After understanding the sub units of phrase and figure motifs that make up the phrase, and phrase complementary units, kadens, as contained in the third chapter, in this chapter are discussed the kinds of phrases that are sub-units of larger structures the sentence. Based on the knowledge of the phrase to the next in this chapter will also discuss the forms of sentences and development.

Frase

The phrase is a section in a musical flow equivalent the "clause" or "sentence" in prose. (Randel) The word "phrase" in This diktat diadobsi from the English word phrase, while "sentence" of the sentence. The phrase has a function and prolonged levels of different from the sentence, which is shorter because it is a component complement sentence structure.

To gain an understanding of the phrase, Stein (1962:22) offers four assumptions. The first is that the conventional phrase generally is a unit consisting of four bars, the second that the phrase is the shortest unit is terminated by kadens; the third that a phrase usually has hubugan with other phrases; and a fourth that phrase is essentially a structural basis homofonis forms are also applied to the structures certain polifonis.

Four-bar unit

As a single unit consisting of four bars, phrases can be found in traditional music such as hymns West Ambrosian, songs Trubadour / Minnesinger, various types of European dance, and some works written since 1600. General phrase is a single unit is not divided anymore, like those found in Symphony No. Beethoven's 5th:

                     Single four-bar phrase

However there is also not uncommon phrase consisting of two semi-phrase and each composed of figures:

                      Examples of complete phrases

Shortest unit that ended with kadens

A symmetrically phrase composed of two semi-phrase limited by kadens vaguely or not is a kadens actually present as at the end of phrases.

                   Kadens half at the end of the phrase

Hubungan antar frase

The relationship of a phrase with another phrase can occur in two pp. The first is as part of a more structural pattern and a second major as a unit iala independent supporters. As a component of a larger pattern of relationships between a phrase with another phrase might be a standard sentence with two phrase, a group of three or four berfrase, and a period of berfrase double four.

Extracts quoted from the first part of Sonata in A major work of Mozart following are examples of two phrases that make up a standard sentence or period:

          The relationship of a phrase in the unity of the period

As a stand-alone unit that functions as a phrase supporting units that stand alone and has properties not associated with the phrases before and after that, as part of the sentence or phrase kelompk. Phenomenon like this could happen the introduction of some use as a stand-alone, postlude, koda or kodeta, part of the song or the theme of the stand alone, Interlude, transition or retransisi.

It should be noted that the repetition of the phrase is essentially still is a single unit instead of being two berfrase sentence. Repetition can occur in several ways, namely:

Identically
With decorations
With a change of harmony
With the accompaniment pattern changes
With the change in register
With the change of color

Phrase as the basis of structural forms homofoni

Homofoni compositions with melodies that prominent in the top voice is generally divided into a few phrases. In some forms of polyphonic, especially on suite baroque dance suite composed of phrases. Movements such as the gavotte, bourree, and Minuet which tend to have a striking melody sound alour top, obviously composed of phrases. For example is the Allemande from the French Suite in E Minor by Bach which consists of 28 bars 7 pieces composed of four bar phrase.

KADENS

2009-11-16T12:58:00.012+09:00

Kadens is "pungtuasi" in music as a point resort is composed of a series of chord-chord progression that moves in such a way to mark the end of a phrase or section. The word cadence is derived from Latin meaning cadere "to fall" which in the music associated with a feeling of rest or in a language Latin caesura is implicit in a low tone sound followed the tone previous attendance high.

Kadens has two functions which marked the end of a phrase or section and start something else. If you start something then that comes before kadens less empathic and act as a bridge or a figure of displacement.

Kadens Group

In actuality kadens tonal music is based on the assumption that the group contains kadens from a formula that essentially involves between two or three chords. Accordingly kadens can be categorized into 4 types namely: Authentic, plagal, deseptif, and a half.

Kadens authentic

Authentic Kadens firm characteristics that not only serves to end a sentence, part or sexy, but also end the overall composition. Thus using kadens authentic chord structure: VI. V chord in this case representing each formation predominate (eg V7, vii7, etc..).

Authentic Kadens has two categories. The first category is the perfect authentic kadens if trinada roots appear in both outer voices (soprano and bass) from the tonic chord as shown in the following example.

                  Perfect authentic Kadens

The second category of authentic kadens authentic kadens is not perfect. This type occurs when kwint of terts or tonika present at the outer voices (soprano and bass), or if there is at terts bass.

                Imperfect authentic Kadens

Kadens Plagal

In music using the system of capital, the medieval music (eg motet composition), the movement is often used as plagal final kadens (closed the whole work). Example kadens plagal movement is as follows:

                      Kadens Plagal

Kadens Deseptif

Kadens deseptif chord is any movement that led to the chord of VI or V chord to the harmony of any unexpected presence. Thus this type of kadens have a tendency to deceive; listeners expect the next chord as a decisive solution, but in reality to the chord, other chords that are outside listener expectations. The following is an example kadens deseptif:

                        Kadens Trickery

Half Kadens

Chord-chord in half kadens usually move from chord to chord whatever V. However in the music of the 19th century and the 20th, sometimes musical phrase ends on chord II, III, or IV, so that this phenomenon should be considered also as kadens half. In addition, the movement of chords in minor keys is IV (6)-V or II (6 / 5)-V are sometimes classified as kadens Phygrian.

                    Half Kadens

Kadens chord at the end of phrases or sentences

Chord on kadens that serves as a break point while in mid-phrase or sentence is usually trinada consonants, or sometimes a dominant seventh. In extracts kontrapungtis vocal work for three sopranos and one alto who has been transcribed for solo guitar below kadens disguised by one or more line in the overlapping voices in order to maintain continuity. In this example there are at kadens first soprano with the composition C-B-A-B tone.

              Kadens incognito in vocal music

Examples of similar disguises appear more clearly on the work of the Renaissance Fantasia for lute by John Dowland who had transcribed for solo guitar. Kadens first soprano in the groove, then the second and third in the tenor line.

           Kadens incognito in instrumental music

Final chord

Final chord of a composition is always tonika whether the basic tone of the major or minor. In the music of the 16th century, a final chord, without considering the basic tone is used, the whole major or minor, is always in the major.

Prevalence of the phenomenon as a major chord compositions cover a minor at the time locked in the 16th century and the 18th known as the Tierce de Picardy or the "Picardy Third". The following examples quoted from Aria con variazioni for the guitar which was adapted from Organ music of the 16th century by Italian composer, Girolamo Frescobaldi:

         The phenomenon of major chords in a key work of a minor

Although work on the above notation, originally written for solo organ, but the example given is not the organ but the notation notation guitar. This work became known as the standard works of classical girtar after Andres Segovia, guitarist for the legendary 20th century, making a guitar transcription. The uniqueness of this transcription is the courage Segovia in Dorian mode system transfer into tonal major.

Motif

2009-11-14T18:44:00.008+09:00

Motif ialah sekelompok nada-nada linear yang tidak terlalu panjang yang didesain atas dasar figur ritmis dan/ atau melodis tertentu.Figur tersebut terdapat pada seluruh komposisi atau suatu seksi dan berfungsi sebagai elemen pemersatu (Randel 1978: 322 jo Fountain 1967: 1). Perlu dicatat bahwa terdapat kekhususan penggunaan istilah motif pada karya-karya kontrapungtis untuk mengidentifikasi subjek dalam Invention. Pada IAM I pengertian yang dipakai ialah motif sebagai suatu porsi tematik yang terdiri dari dua atau tiga figur.

Berdasarkan teknik pengolahannya, yang pada dasarnya tidak berbeda dengan teknik-teknik pengolahan figur, motif dapat dikelompokan kepada beberapa jenis yaitu motif independent, motif dependen, dan motif turunan.di samping itu terdapat juga melodi-melodi yang tidak bermotif.

Motif Independen

Motif independen ialah suatu unit kecil yang terisolasi, yang di dalamnya telah memiliki suatu ide musikal yang lengkap sebagaimana terdapat pada bagian pertama Simfoni No. 104 yang juga dikenal sebagai Simfoni London No. 7:

                 Motif yang berdiri sendiri

Motif dependen

Motif dependen adalah kebalikan motif independent, yaitu suatu motif yang digunakan dengan materi lain dalam rangka melengkapi suatu ide musikal yang panjangnya setara dengan frase. Pada kutipan melodi Ecossaise untuk piano solo dari Beethoven berikut ini motif-motif pendek diulang-ulang untuk membangun alur melodi yang panjang. Pembangunan melodi dilakukan secara motifis dari sebuah motif pendek yang intervalnya dibalik pada birama 2, 3, dan 4, dan terus secara konstan hingga mencapai kulminasinya pada interval minor tujuh pada birama 8.

             Pengolahan motif pada karya homofoni

Contoh lain dari melodi yang bersifat motifis adalah kutipan melodi Bourée dari Suite No. 1 untuk lute karya Bach:

     Pengolahan motifik pada karya polifoni (Bach; Bouree)

Motif-motif turunan

Motif turunan adalah motif yang diturunkan dari tema sebelumnya atau kadang kadang mengantisipasi kedatangan tema setelahnya. Motif motif ini banyak dijumpai pada karya-karya besar Simfoni. Motif-motif ini diproduksi melalui suatu proses fragmentasi yang terjadi dari sebuah porsi tema yang diekstrakkan untuk untuk melakukan perluasan.

Ada tiga ciri perlakuan motifis yang sering dijumpai, yang tampaknya serupa walaupun sebenarnya berbeda. Yang pertama ialah “repetisi”, yaitu pengulangan suatu bagian/ potongan pada suara yang sama dan tingkat ketinggian suara yang sama. Yang kedua ialah “sikwens”, yaitu pengulangan suatu bagian/ potongan pada suara yang sama tapi berbeda tingkat ketinggian suaranya. Yang terakhir ialah “imitasi”, yaitu pengulangan suatu bagian/ potongan pada suara yang berbeda tanpa ketentuan tingkat ketinggian (bisa sama atau berbeda).

Pada tema pembuka gerakan pertama Simfoni No. 2 karya Brahms berikut ini terdapat dua motif awal, yaitu Motif A pada suara keempat dan Motif B pada suara pertama. Pada birama kelima motif a diulang secara imitative dalam suara ketiga dengan perbedaan interval satu terts besar lebih tinggi:

                  Motif -motif asli

Pada bagian Final dari karya yang sama, pertama-tama motif A diulang secara imitatif dan selanjutnya hasil imitasi tersebut diulang lagi secara sikwens. Sementara itu motif B diimitasi pada instrumen/ suara yang berbeda, yang perama dilakukan untuk Horns pada suara pertama dan kemudian untuk Bassoons pada suara kempat.

     Perkembangan motif-motif yang diturunkan dari motif asli

Melodi tak Bermotif

Melodi tak bermotif adalah setiap melodi yang tidak menggunakan figurasi dengan konsistensi yang memadai untuk menjustifikasi penerimaannya sebagai sebuah motif. Pada contoh berikut yang dikutip dari misa Offertorium, “Ave Maria” karya Palestrina, terdapat gejala yang menunjukkan adanya upaya-upaya untuk menghindari struktur frase yang simetris dan perlakuan-perlakuan motif seperti misalnya, sikwens, dan teknik-teknik lain yang memungkinkan terjadinya produksi pengulanganpengulangan figuratif.

      Penghindaran identitas motif (Palestrina: “Ave Maria”)

Di samping jenis-jenis motif yang sering dijumpai di atas, terdapat tiga jenis motif lain yang juga tidak kalah pentingnya. Yang pertama ialah spontaneous motive (motif spontan), yaitu sebuah motif yang tidak diturunkan dari tema, apakah yang datang sebelumnya atau akan datang sesudahnya. Dengan demikian motif ini merupakan kebalikan dari motif turunan.Yang kedua ialah motivic figures, yaitu figur-figur bermotif yang merupakan suatu rancangan yang digunakan untuk mendeskripsikan figurasi-figurasi kecil, terbentuk setelah sebuah motif asli, dan digunakan dalam deretan-deretan untuk membentuk alur melodi. Yang terakhir ialah motivic melody yaitu melodi yang didasarkan atas penggunaan motivic figures.

Figur

2009-11-12T18:41:00.007+09:00

Figur ialah setiap kelompok nada yg signifikansi motiviknya sedikit, apakah itu terjadi dalam suatu garis melodis atau dalam suatu bagian iringan. (Fontain 1967:1). Stein (1961:1-3) berpendapat bahwa figur ialah unit konstruksi terkecil dalam musik yang setidak-tidaknya berisi satu karakteristik ritem dan satu karakteristik interval.

Kadang-kadang istilah motif digunakan sebagai sinonim dari figur. Pembedaan yang paling umum adalah figur sebagain suatu unit pengiring atau pola tertentu seperti yang terdapat pada karya-karya etude atau beberapa karya-karya Barok dan motif sebagai suatu partikel tematik.

Figur diolah melalui berbagai cara yaitu repetisi, sikwens, alternation, gerak berlawanan (contrary), mundur (retrograde), pengelompokan metrik sahut menyahut (corresponding metric grouping), overlapping, figur berkelompok, figur berganda, dan imitasi.

Repetisi

Pengolahan figure secara repetisi dapat dilihat pada Songs Without Words No. 45 karya Mendelssohn. Repetisi figur yang diterapkan di sini merupakan upaya perluasan di awal frase yang selengkapnya akan dibahas pada posting berikutnya.

                    Without Words No. 45

Alternation

Perlakuan figure secara alternation yang tampak pada ekstrak Sonata No. 5, K.189h karya Mozart berikut ini menunjukkan bahwa motif b merupakan reaksi atau jawaban spontan dari motif a yang kemudian keduannya membentuk semi frase.

            Alternation figur dalam semi frase

Retrograde

Pada contoh pengolahan retrograde berikut ini nada-nada yang terdapat pada semi frase kedua merupakan kebalikan dari semi frase pertama:

                     Contoh gerakan mundur

Overlapping

Ekstrak Prelude dari Suite No. 4 untuk lute berikut ini memiliki dua buah figure yang tampil dalam satu alur melodi secara tumpang tindih atau overlapping

   Implikasi fiur-fihur secara tumpang tindih (Bach: Prelude)

Bentuk Musik

2009-11-11T13:05:00.003+09:00

Dalam konteks pendidikan tinggi musik, bidang kajian bentuk musik dikenal dengan beberapa nama, misalnya mata kuliah Ilmu Analisis Musik (IAM) dan Ilmu Bentuk dan Analisis (IBA) yang pernah diterapkan di Jurusan Musik, FSP ISI Yogyakarta, atau Ilmu Bentuk Musik (IBM), judul tulisan Prier (1996). Secara internasional bisa disebut musical form analysis (Fountain 1967) atau analysis of musical form (Stein 1963). Sejak pertama kali diterapkannya pada masa Akademi Musik Indonesia (AMI) sebelum tahun delapanpuluhan, kuliah ini dikenal dengan nama Ilmu Bentuk Analisa (IBA) yang menurut Susilo (1999:1-2) ialah studi mengenai sketsa, skema, struktur dan bahan bentuk musik. Sedangkan mengenai “bentuk” sendiri ia mendefinisikannya sebagai suatu kesatuan ide-ide musikal yang mencakup melodi ritme dan harmoni. Prier (1971) memandang bentuk musik sebagai suatu keseluruhan yang umumnya tersusun dari potongan-potongan yang teratur dan simetris. Fountain (1967: ix) menambahkan bahwa struktur karya musik tonal dapat dilihat dari melodinya sehingga melodi memiliki peranan penting dalam memahami bentuk musik.

Pengetahuan tentang struktur komposisi musik merupakan persyaratan wajib bagi setiap orang yang medalami praktik maupun teori musik, khususnya ketika mencapai tingkat ketrampilan (grade) menengah ke atas baik secara informal maupun formal. Seorang pemusik klasik yang mengembangkan ketrampilannya secara otodidak akan dengan sendirinya merasakan kebutuhan ini dan melakukan penelitian pustaka melalui literatur-literatur musikologi dalam rangka mempertajam interpretasi dan penjiwaan dari karya yang dimainkannya.

Secara formal kebutuhan studi analisis musik tercermin pada dua sistem pendidikan dan ujian. Yang pertama ialah sistem umum atau luar sekolah dan yang kedua ialah sistem yang diterapkan di sekolah-sekolah kejuruan dan lembaga pendidikan tinggi musik. Persyaratan pengetahuan analisis musik pada sistem umum tercermin dari diterapkannya persyaratan kelulusan tingkat tertentu ujian teori musik bagi seorang yang mengambil ujian ketrampilan dari tingkat menengah ke atas. Sedangkan secara formal pengetahuan tersebut diberikan terpisah dari cabangcabang mata kuliah teori musik yang lain.

Pada beberapa kurikulum teori musik umum, studi analisis struktur musik diperkenalkan pada tingkat-tingkat yang berbeda. Penyertaan materi analisis struktur musik tingkat paling awal dapat dijumpai mulai dari grade (tingkat) kedua pada silabus 2003, kurikulum Australian Music Examination Boards (AMEB, 2003: 40). Sedangkan dalam silabus Royal Schools of Music, materi serupa mulai tersirat pada grade kelima (ABRSM, 1958: 75). Sementara itu pada kurikulum ujian praktik instrumen musik, pengetahuan tentang struktur mulai diwajibkan sebagai persyaratan tambahan untuk dapat lulus dari tingkat ketrampilan menengah ke atas yang umumnya mulai dari tingkat ketrampilan lima.

Walaupun tidak ditanyakan secara oral dan langsung seperti dalam ujian praktik instrumen, materi analisis musik dalam ujian teori musik merupakan salah satu pertanyaan kategori soal pengetahuan umum (general knowledge), di samping kategori-kategori lainnya seperti: kunci/ tangga nada, interval, akor, transposisi, dan terminologi. Pada sistem ujian AMEB, tingkat ketrampilan instrumen terendah yang memiliki persyaratan kelulusan teori ialah grade 5 yang menuntut persyaratan tambahan sertifikat grade 3 teori musik.

Bentuk dalam karya musik adalah kerangka musikal sebagaimana halnya kerangka bagi makhluk hidup sehingga sangat besar peranannya bagi suatu karya musik (Ewen 1963, 5). Bentuk musikal juga bisa dipahami sebagai desain atau rancangan karya musik, kurang lebih sama seperti rancangan arsitektur sebuah rumah, suatu blok-blok perkantoran, atau sebuah pabrik. Dalam konteks musik, komposer harus membuat rancangan (layout) karya musiknya karena jika tidak maka suatu karya musik akan terasa tidak jelas dan mengambang (Lovelock MCMLXVII, 6).

Sebagai bekal untuk menganalisis struktur, perlu dipahami terlebih dahulu pokok bahasan unit-unit struktur, khususnya dalam batasan sub frase yang meliputi “figure”, “motif”, dan “kadens”. Karena tidak sedikitnya pokok bahasan ketiga sub struktur tersebut maka untuk selanjutnya akan dibahas secara terpisah

Frase suatu melodi musikal tersusun dari motif-motif atau figurfigur dan kadens. Dalam suatu pengolahan motifis, frase tersusun dari elemen musikal terekecil. Susunan tersebut mulai dari beberapa nada berurutan yang membentuk figure. Sederetan figur membentuk motifmotif kemudian sederetan motif tersebut membentuk semi frase, dan akhirnya sederetan semi frase membentuk frase.

Kesimpangsiuran penggunaan istilah “figure” dan “motif” dalam studi musik telah lama terjadi. Salah satu istilah yang menyangkut keberadaan keduanya ialah “figurasi”, yaitu sebuah kata yang mengIlustrasikan setiap kelompok nada yang ringkas dan padat yang menunjukan tingkat kesatuan yang dapat dikenali, apakah itu sebuah figur atau motif. Agar dapat memahami, pada kesempatan apa saja istilah tersebut diterapkan, kita perlu mengamati beberapa penerapan dan penggunaan istilah figur dan motif pada karya-karya musik.

MAAF YA......!

2009-11-10T16:31:00.006+09:00

Kepada pengunjung blog saya yg saya hormati dan sayangi...saya minta maaf atas keterlambatan saya buat memposting pelajaran musik yg lain karna saya ada urusan yg sangat mendesak sehingga saya harus menunda dulu postingan saya yg lain... jadi mohon dimaafin ya atas keterlambatan ini ya guys...

Kontrapung

2009-11-04T23:23:00.006+09:00

Di samping harmoni ada teknik komposisi yang tidak kalah pentingnya yaitu kontrapung atau dalam bahasa Inggris disebut counterpoint. Jika harmoni menekankan melodi pokok dan iringannya sedangkan maka pada kontrapung, beberapa melodi dimainkan secara bersamaan. Dengan demikian jika beberapa melodi dinyanyikan bersamaan dengan efek-efek harmonis yang dapat diterima maka kita memperoleh kesan kontrapung.

Kontrapung dapat didefinisikan sebagai seni mengkombinasikan melodi. Dalam konteks yang lebih luas kita dapat membedakan antara gaya homofoni denga kontrapungtis. Gaya homofonik pada dasarnya bersifat akor (chordal) yang umumnya tampak pada berbagai lagu himne sebagai contoh bentuk yang paling sederhana. Pada model tersebut lagu diringi oleh akor-akor dasar atau sederhana. Di samping itu juga biasa terdapat pada grekan-gerakan satabande pada suite abad ke-18. Dalam penulisan kontrapung juga terdapat basis logika akor, tapi bagian-bagian suaranya memiliki alur melodi yang berdiri sendiri. Sebagai contoh yang sederhana ialah kontrapung pada karya-karya Two-part Invention Bach. Alur melodi suara basnya sama menariknya dengan melodi pada suara atas. Demikian pula pada karya-karya Gigue dari French Suite No. 5 Bach, yang menerapkan kontrapung tiga suara yang berjalan bersama.

Penulis kontrapung yang terkenal di antaranya ialah Bach dan Handel. Walaupun Bach kadang-kadang mencoba menggunakan konsep homofonis namun kesan kontrapungnya tetap tidak bisa hilang. Gaya kontrapung juga seringkali menerapkan teknik-teknik imitasi, bahkan ada yang secara berlebihan mengatakan bahwa imitasi adalah darah kehidupan kontrapung. Dalam kenyataanya imitasi adalah teknik yang jauh lebih ringan dari yang diperkirakan banyak orang. Teknik kontrapung banyak diterapkan dalam karya-karya solo instrumental, khususnya piano. Walaupun demikian terdapat juga untuk karya-karya solo gitar, dan bahkan untuk solo instrumen gesek seperti biola dan cello. Contoh kontrapung tiga suara di bawah ini dikutip dari Prelude, Fugue, and Allegro BWV 998, untuk keyboard karya J.S. Bach.

   ”Fugue” dari Prelude, Fugue, and Allegro, BWV 998 (J.S. Bach)

Walaupun pada dasarnya kontrapung ialah paling tidak terjadi dari perpaduan dua melodi, namun efek kontrapung juga bisa diterapkan pada alur melodi tunggal, yaitu dengan teknik imitasi. Model kontrapunf seperti ini dapat dijumpai pada karya-karya Bach, baik untuk permainan biola maupun cello tanpa iringan. Berikut ini ialah Prelude dari Cello Suite No. 1 dalam C mayor, yang telah ditranskrip untuk notasi gitar dalam D mayor.

      ”Prelude” dari Cello Suite No. 1 (J.S. Bach)

Contoh di atas menunjukkan beberapa teknik untuk menimbulkan kesan kontrapung pada melodi tunggal. Walaupun hanya satu alur melodi tunggal dengan teknik-teknik imitatif dapat menimbulkan kesan kontrapung. Pada baris pertama setidaknya tersirat adanya dua alur melodi. Melodi pertama (suara atas) dalam nada-nada seperenambelas (semi quaver) sedangkan alur melodi kedua tersusun dari skala D mayor menurun, mulai dari dominan (lihat nada-nada yang dilingkari). Untuk baris kedua (dari birama 31) walaupun dalam kenyataannya tertulis dalam semi quaver tersirat adanya kesan melodi dalam nada-nada quaver pada alur suara kedua yang diiringi nada-nada tinggi yang monoton pada alur suara pertama.

Harmoni

2009-11-04T22:39:00.008+09:00

Harmoni dan kontrapung dapat diibaratkan sebagai otak atau pemikiran dari suatu karya musik. Harmoni adalah ilmu mengkombinasikan nada-nada ke dalam akor-akor (chords). Sebagai salah satu cabang ilmu musik, harmoni hanya dapat dipelajari secara khusus dan secra terpisah. Dalam bab ini pembahasan hanya meliputi perkenalan terhadap pemahaman awal yang sangat mendasar dalam mempelajari ilmu tersebut.

Landasan harmoni ialah susunanvertikal yang biasanya terdiri dari tiga atau empat nada. Sebuah akor yang terdiri dari tiga nada, yang setiap nadanya terpisah satu sama lain oleh interval tiga (third), disebut trinada (triad). Jika dibangun di atas nada pertama maka ia disebut trinada Tonika. Pada skala C mayor akor tonikanya tersusun dari tiga nada yang tepisah oleh interval tiga, yaitu C-E-G

    Ilustrasi 28: Susunan trinada di atas skala C mayor

Pada ilustrasi di atas, simbol-simbol angka Romawi besar menunjukkan jenis akor mayor sedangkan angka Romawi kecil menunjukkan jenis akor minor. Jenis mayor dan minor ditentukan oleh kualitas interval tiga (third) di antara nada pertama dan kedua. Pada akor tonika kualitas tersebut berada di antara C dan E yang memiliki susunan 2 jarak penuh (tone) yaitu 1 tone dari C ke D dan 1 tone dari D ke E. jarakAkor yang tersusun dari empat nada disebut akor tujuh. Sedangkan pada akor minor, seperti pada akor kedua, kualitas interval tiga tersebut lebih kecil karena memiliki susunan 1 tone dan 1 semi tone yaitu 1 tone dari D ke E dan 1 tone dari E ke F.

Kecuali trinada ketujuh, interval pasangan kedua interval tiga pada setiap trinada memiliki kualitas berbeda, jika yang pertama interval 3 mayor maka interval tiga yang kedua ialah minor. Khusus untuk trinada ketujuh pasangan kedua interval tersebut sama yaitu minor. Sehubungan dengan itu trinada tersebut memiliki kualitas yang lebih kecil dari trinada minor atau kualitasnya menyempit sehingga biasa disebut diminished (dari bahasa Inggris) yang arti harfiahnya memang menyempit. Sebaliknya, jika pasangan kedua interval tiga pada suatu trinada ialah mayor maka kualitas trinada menjadi lebih besar dari trinada mayor dan biasa disebut meluas atau augmented.

           Ilustrasi 29: Trinada C augmented.

Trinada augmented di atas akan kita jumpai jika kita menyusun trinada di atas skala minor. Dengan demikiam trinada tidak hanya dapat dibangun di atas nada-nada skala mayor namun dapat juga di atas nadanada skala minor. Di antara tiga macam skala minor yang ada yaitu natural, melodis dan harmonis, yang terakhirlah yang biasa digunakan. Berikut ini ialah susunan trinada dari skala minor.

    Ilustrasi 30: Susunan trinada di atas skala A minor harmonis

Jika kita bandingkan antara trinada yang berbasis skala mayor dan minor maka beberapa hal yang akan kita temukan ialah bahwa Tonika dan sub dominannya berbeda. Pada trinada mayor keduanya berkualitas mayor sedangkan pada trinada minor keduanya adalah minor. Persamaannya ialah keduanya memiliki dominan dengan kualitas mayor. Suatu hal yang unik pada rangkaian trisuara minor ialah terdapatnya dua trinada diminished dan sebuah trinada augmented sebagai konsekuensi penggunaan skala minor harmonis.

Jika trinada tonika berfungsi sebagai penentu identitas dan kekuatan tonalitas suatu skala maka trinada dominan berfungsi sebagai penguat keberadaan tonika. Agar trisuara dominan dapat menjalankan fungsinya dan tidak mengganggu keberadaan tonika maka terjadilah fenomena akor yang mengandung tidak tiga nada tetapi empat nada yaitu akor dominan seventh atau secara awam biasa disebut akor tujuh. Akor dominan seventh terjadi dengan menambahkan satu interval tiga minor di atas trinada dominan. Penambahan tersebut menyebabkan adanya penggabungan dua trinada yaitu trinada dominan dan trinada pengantar (trinada ketujuh) secara shift atau berlapis.

      Ilustrasi 31: Dominant 7th pada skala C mayor

      Ilustrasi 32: Dominat 7th pada skala A minor

Baik pada skala mayor maupun minor trinada yang dibangun di atas nada pengantar atau nada ketujuh, menghasilkan trinada diminished atau menyempit. Jika trinada mayor menimbulkan kesan cerah atau gembira, minor diasosiasikan dengan sedih atau suram, augmented memberikan kesan miring seperti akan jatuh, maka trisuara diminished memberikan kesan sempit, gelisah dan menuntut penyelesaian. Penggabungan antara trisuara mayor dan minor secara berlapis mengakibatkan kesan yang cerah dan besar tetapi menuntut penyelesaian dan penyelesaian tersebut jelas yaitu tonika. Jadi berbeda dengan diminished yang walaupun juga menuntut penyelesaian namun terdengar sempit. Dari kedua rangkaian tersebut persamaan umum yang dapat dipahami ialah bahwa dalam sistem tonal terdapat tiga trinada utama yaitu trinada I (tonika), V (dominan) dan IV (sub dominan). Fenomena ini dapat kita lihat pada musik-musik non klasik hingga saat ini atau dengan kata lain secara tanpa disadari sitem tonal mengikat musikmusik populer dan beberapa musik tradisi.

Kita bisa membuat variasi dari akor-akor tersbut dengan suatu proses yang diebut ”pembalikan” (inversion). Dengan memindahkan nada terrendah (C) satu oktaf ke atas sehingga dari susunan C-E-G menjadi EG- C, terjadi interval tiga di antara nada yang pertama dan kedua dan interval enam di antara nada pertama dan keenam. Sehubungan dengan itu pembalikan yang pertama ini disebut juga akor 6/3. Smentara itu akor 6/4 adalah akor pembalikan kedua yang diperoleh dengan menaikan nada pertama dari akor pembalikan pertama sebanyak satu oktaf ke atas.

              Ilustrasi33 : Trinada pembalikan

Dalam suatu komposisi musik, peranan trinada sangatlah penting. Selain sebagai dasar harmoni yang digunakan untuk menyusun iringan sajian sebuah lagu, trinada juga sebagai dasar penenyusunan komposisi maupun aransemen secara umum. Kepentingan trinada dalam iringan sebuah lagu disebabkan karena umumnya struktur melodi diatonis senantiasa berada dalam kerangka tonalitas dan skala nada. Sehubungan dengan itu guna memperoleh pemahaman lebih jauh mengenai struktur.

Ritme

2009-11-04T21:25:00.009+09:00

Sebagaimana telah dijelaskan pada awal pembahasan tentang tempo di atas bahwa ritme dapat diibaratkan sebagai denyut jantung bagi musik. Dengan demikian peranan ritme sangat penting, sehingga jika musik tidak memiliki ritme yang jelas maka musik tersebut akan melayang atau kabur. Ritme atau irama, adalah susunan di antara durasi nada-nada yang pendek dan panjang, nada-nada yang bertekanan dan yang tak bertekanan, menurut pola tertentu yang berulang-ulang. Dapat juga dikatakan bahwa ritme ialah melodi yang monoton. Dalam berbagai situasi ritme ialah bagaikan denyut jantung bagi suatu karya musik sehingga tanpanya sebuah karya musik tidak bisa hidup atau bernafas.

Tanda ritme terdapat dalam garis paranada pada permulaan lagu tepat setelah kunci (clef) dan tanda kunci. Tanda ritme tersusun dari dua pembagian angka. Angka yang terdapat di atas menunjukan pola tekanan yang berulang-ulang dengan dibatasi oleh garis pembatas vertikal atau biasa disebut garis birama, sedangkan angka yang terletak di bawahnya menunjukkan jenis nada yang dijadikan satuan. Guna memahami ritme secara mendalam, kita perlu mengenal jenis-jenis nada berikut jenis-jenis tanda istirahat secara paralel. Jika butir nada merupakan tanda agar nada dibunyikan maka tanda istirahat menunjukkan bahwa pemain tidak boleh membunyikan apapun selama waktu tertentu. Sementara tanda istirahat memiliki bentuk yang bervariasi, bentuk nada mengacu pada dikembangkan dari butir nada yang kosong, solid, diberi bendera.

         Ilustrasi 24: Unsur-unsur bentuk nada

  Tabel 7: Bentuk, nama, dan nilai not dan tanda diam

Secara internasional penamaan bentuk-bentuk nada dan tanda istirahat ada dua macam sebagaimana tampak pada tabel di atas. Di Indonesia, model penamaan kuantitas atau dengan angka adalah yang paling sering digunakan daripada istilah-istilah kualitas. Di samping bentuk-bentuk nada dan tanda-tanda istirahat di atas masih ada lagi yang sangat jarang digunakan yaitu ”breve” yang durasinya adalah dua kali lipat nada penuh.

      Ilustrasi 25: Bentuk nada dan istirahat ”breve”

Susunan tanda-tanda tersebut memiliki perbandingan matematis yang sangat mendasar dan mudah dipahami. Guna memahami maksud perbandingan tersebut dapat kita analogikan dengan martabak atau pizza. Pizza yang utuh memiliki nilai yang sebanding dengan nada penuh sehingga jika pizza tersebut dipotong sama rata maka setiap bagiannya bernilai seperti nada setengah. Jika pizza tersebut dipotong menjadi empat bagian yang sama besarnya maka setiap bagian pizza sebanding dengan nilai nada seperempat. Maksudnya adalah satu nada penuh memiliki nilai yang sama dengan empat buah nada seperempat. Pembagian nilai nada-nada tersebut dapat dilihat pada ilustrasi berikut.

      Ilustrasi 26: ”Pizza” perbandingan nilai nada

Nilai pada nada-nada biasanya dipahami langsung dengan melihat langsung perbandingan jumlah nadanya. Sebuah nada penuh sebanding dengan dua buah nada setengah, sebanding dengan empat nada seperempat, dan seterusnya.

   Ilustrasi 27: Perbandingan nilai nada berdasarkan jumlahnya.

Banyak orang memahami secara salah bahwa setiap crotchet atau nada seperempat, bernilai satu ketukan. Pemahaman yang benar ialah bahwa crotchet akan bernilai dua ketukan jika nada yang durasinya lebih pendek, yaitu quaver atau nada seperdelapan, dianggap satu ketukan. Dalam lagu berirama 4/4, crotchet bernilai satu ketukan karena pada tanda irama tersebut angka yang terdapat di atas menunjukan jumlah pola tekanan untuk setiap birama sedangkan angka yang berada di bawah menunjukkan nada mana yang harus bernilai satu ketukan. Atau dengan kata lain menunjukkan jenis nada yang mana yang dijadikan satuan ketukan; dalam hal ini tentu saja nada seperempat karena angka yang terletak di bawah ialah empat. Dalam irama 4/2 maka yang menjadi satuannya ialah nada 1/2. Konsekuensinya, nada 1/4 kini berubah nilainya menjadi setengah ketukan.

Irama-irama yang ada di dunia ini pada dasarnya dapat dikategorikan kepada tiga macam yaitu irama menari dengan pola hitungan ”tiga” atau disebut triple, irama berbaris dengan pola hitungan ”dua” atau duple dan irama umum atau yang paling lazim dengan pola hitungan ”empat” atau quadruple. Walaupun demikian dalam perkembangannya ada juga irama yang merupkan kombinasi di antara irama-irama tersebut. Misalnya irama 5/4 adalah kombinasi di antra triple dan duple. Irama 7/4 ialah kombinasi di antara irama triple dan quadruple. Irama-irama dasar, duple, triple dan quadruple ialah irama reguler sedangkan kombinasi di antara irama-irama tersebut adalah irama non reguler.

Irama-irama dasar disebut juga irama bersahaja atau simple time. Di samping simple time ada irama lain, yaitu irama ganda atau compound time yang mengacu pada pola tekanan irama bersahaja. Ciri irama ganda ialah adanya pengelompolan satuan tiga ketukan yang dilipat gandakan sesuai dengan pola-pola simple time. Contohnya ialah 6/8 yang mengacu kepada pola irama duple sehingga memiliki dua tekanan pokok yaitu pada hitungan pertama dan keempat dari enam ketukan irama ini.

      Tabel 8: Jenis-jenis tanda irama reguler

Timbre/ Warna Suara

2009-11-03T22:26:00.003+09:00

Schoenberg mengatakan bahwa kejelasan (lucidity) adalah tujuan dari warna musik. Sebuah nada yang diproduksi oleh trompet akan memiliki suatu kualitas tertentu. Nada yang sama pada biola akan terdengar sangat berbeda. Perbedaan-perbedaan tersebut menunjukkan adanya karakteristik warna atau tinbre pada setiap instrument. Timbre memfokuskan impresi musikal kita karena ia menyampaikan karakter khusus dan mutlaknya kepada gambaran tonal. Pada saat komposer memilih warna ia menciptakan dunia bunyi tertentu yang menghidupkan musik.

Untuk mengelola warna suara composer menggunakan dua media yaitu suara manusia dan instrument-instrumen musik. Ia dapat saja menulis kombinasi di antara keduanya untuk mencapai tujuannya. Secara konstan ia mengingat sifat alami medium yang ia pilih. Ia mempertimbangkan kapabilitas dan limitasi setiap instrument; ia mencoba membuatnya melakukan hal-hal tersebut untuk mentransmutasikannya ke dalam sumber-sumber keindahan yang segar.

Yang menjadi pertimbangan para composer di antarannya ialah keterbatasan jangkauan setiap instrument, jarak di antara yang trrendah dan tertinggi, yang tidak boleh dilanggar, tingkat kelembutan di antara yang terlembut dan yang terkuat yang mampu dimaikan. Belum lagi kebiasaan-kebiasaan teknis setiap instrument yang berbeda dalam memainkan nada-nada, apakah dalam register rendah, tengah dan atas, menentukan formasi nada tertentu yang mudah bagi suatu instrument, belum tentu mudah untuk instrument yang lain. Misalnya Tuba, dapat menahan nada panjang tetapi sulit untuk memainkan bagian-bagian yang cepat. Instrumen seperti piano, mudah untuk memainkan bagian-bagian cepat tapi tidak memiliki kemampuan untuk menahan nada panjang. Pertimbangan-pertimbangan semacam ini menentukan pilihan composer, seakan-akan ia membungkus ide-idenya dengan pakaian dalam pelukan instrumentalnya.

Beberapa composer memiliki suatu rasa warna yang lebih cemerlang dari yang lainnya. Para ahli orkestrasi memproses warna suara dalam tingkatan yang tinggi. Yang jelas warna dalam musik adalah bagian dan paket dari ide yang ttdak terpisahkan darinya, sebagaimana halnya harmoni dan ritme. Timbre lebih daripada sekedar elemen asesori yang kaya yang ditambahkan ke dalam suatu karya. Timbre adalah salah satu yang memperhalus kekuatan-kekuatan dalam musik.

Dinamik dan Ekspresi

2009-11-03T22:21:00.003+09:00

Elemen-elemen dinamik dan ekspresi musikal juga banyak terdapat dalam bentuk tanda-tanda ekspresi. Crescendo dan diminuendo adalah di antara efek-efek ekspresif yang penting bagi komposer. Melalui volume suara yang tenggelam dan menghilang secara bertahap, ilusi yang jauh memasuki musik, seperti sumber bunyi yang mendekati kita dan kemudian keluar.

Dengan berkembangnya gaya orchestral, composer dengan cepat belajar untuk mengambil keuntungan dari prosedur tersebut. Misalnya Rossini sangat ketagihan untuk memanfaatkan suatu pengembangan bunyi long-drawn-out guna menampilkan efek dramatik yang ia karikaturkan dalam karyanya “Monsier Crescendo” di Paris. Impak dari Crescendo dapat sedikit memberikan efek sengatan, seperti terdapat dalam bagian penutup overturnya, The Barber of Seville.

Dalam kasus tersebut, crescendo menjadi kekuatan yang mempertajam musik, yaitu elemen yang menentukan konsepsi secara menyeluruh. Hal tersebut dapat kita jumpai dalam Prelude to Lohengrin karya Wagner yang bermaksud untuk mengambarkan turunnya Holy Grail dari langit. Gambaran sekelompok malaikat yang mendekat dari suatu jarak kemudian menghilang, diterjemahkan ke dalam pengertian apa yang telah menjadi pola dasar dalam musik, yaitu crescendo dan descrescendo. Contoh yang lebih jelas dari skema dinamik semacam ini juga terdapat dari karya Debussy, Nocturne untuk orkestra yang diberi tjudul Fêtes (Festival).

Crescendo yang dikaitkan dengan accelerando, yaitu menjadi lebih kuat sekaligus juga menjadi cepat, menciptakan suatu kenyamanan semapan decrescendo yang dibarengkan dengan ritardando, yaitu berangsur melemah dan melambat.

Efek intensifikasi volume dan kecepatan diterapkan dalam Pacific 231 karya Honeger. Dalam karya ini composer mencoba mensugestikan suatu rasa kekuatan yang dikaitkan dengan sebuah lokomotif dengan cara membangun momentum dan kecepatan menembus malam. Dalam karya ini crescendo dan accelerando diterjemahkan ke dalam gerakan imajiner. Hal tersebut juga dilakukan oleh Tchaikovsky dalam bagian finale Waltz of theFlowers yang dirancang untuk mempersiapkan penarikan gorden untuk penampilan balet Nutcracker. Untuk keperluan tersebut ia memanjat secara ajeg dari register tengah kepada register tinggi yang cemerlang dan gugup, sehingga ketiga elemen -yaitu percepatan tempo, peningkatan volume, dan peningkatan tingkat ketinggian- saling mendesak untuk menciptakan klimaks.

Dinamika

2009-11-03T20:12:00.008+09:00

Volume yang menunjukkan tingkat kekuatan atau kelemahan bunyi pada saat musik dimainkan, disebut dinamik. Sebagaimana halnya tempo yang bermacam-macam dari yang tetap dan berubah, maka demikian juga dengan dinamik, ada yang tetap dan ada juga yang berubah. Baik dinamik maupun tempo, keduanya berakar dari sifat-sifat emosi. Untuk mengungkapkan misteri dan ketakutan dibutuhkan bisikan, sedangkan kemenangan dan aktivitas yang berani resonansi yang penuh. Lagu untuk menidurkan anak atau Nina Bobo, maupun lagu-lagu cinta lebih banyak diekspresikan dengan jenjang dinamik daripada mars kemenangan. Instrumen-instrumen musik modern menyediakan jangkauan efek-efek dinamika yang luas yang diharapkan oleh koposer.

Dinamik-dinamik yang pokok berkisar dari yang paling lemah hingga yang paling kyat, yaitu:

Dalam keadaan tertentu terdapat tanda-tanda perubahan dinamik. Yang paling umum di antaranya ialah sebagai berikut:

Sebagai konsekwensi meningkatnya usuran dan tingkat kepersisan dalam orkestra, komposer memperluas jangkauan dinamik ke dua arah. Sehubungan dengan itu di samping tanda dinamik yang tertulis di atas terdapat juga dinamik ppp (pianissimo posible) atau selemahlemahnya dan fff (fortíssimo possible) atau sekuat-kuatnya. Jika perlu kondaktor atau komponis dapat menambahkan menjadi tiga bahkan empat f atau p.

Terdapat berbagai macam tanda yang berkaitan dengan dinamik dan tempo yang mengekspresikan emosi dalam karya musik. Tandatanda tersebut disebut “tanda ekspresi” yang jumlahnya semakin meningkat pada abad ke-18 dan selama abad ke-19, sebagai konsekuensi meningkatnya keinginan komposer untuk menunjukkan niat/ keinginannya. Sebagai contoh dapat kita bandingkan di antara naskahnaskah musical Bach dan Tchaikovsky.

Sejumlah peristilahan mengacu pada tempo dan dinamik. Memang, khususnya yang digunakan pada abad ke-19 adalah untuk memantapkan perasaan (mood) dan karakter suatu karya. Andante maestoso (lambat biasa dan mulia) mengindikasikan suatu langkah yang stabil dan penuh dengan sonoritas. Morendo atau menghilang, menunjukkan bahwa tempo harus melambat dan pada saat yang sama harus melembut atau melemah. Scherzando atau bercanda, mempersyaratkan bunyi yang ringan dan gerakan yang lincah. Con brio (dengan berani) mensugestikan suatu langkah yang enerjetik, dan sonoritas yang hidup.

Tempo

2009-11-03T14:18:00.007+09:00

Jika melodi dapat dianalogikan sebagai jiwa bagi musik maka jantungnya ialah ritme dan tempo. Tempo merupakan “polisi lalulintas” yang mengatur kelancaran lalulintas sedangkan kelancaran lalulintasnya ialah ritme. Petunjuk tempo pada naskah musikal tertulis di kiri atas halaman permulaan sebuah karya musik. Petunjuk tersebut memberitahukan kepada pemusik seberapa cepat karya tersebut harus dimainkan; apakah Andante (biasa secepat orang berjalan), Allegro (cepat), Largo (lebar/ lambat), Presto (sangat cepat), dan sebagainya (Ewen 1963, 4).

Dalam prakteknya, kecepatan tempo adalah relatif. Pada masa lalu istilah cepat dan lambat hanya untuk membedakan kecepatan di antara satu lagu dengan lagu yang lain sedangkan rincian seberapa cepat harusnya sebuah lagu dimainkan, belum ada. Menjelang akhir abad ke-18 ditemukan metronom, yaitu instrumen untuk mengukur berbagai kategori kecepatan tempo musik. Walaupun kini yang dianggap sebagai penemu instrumen tersebut ialah seorang ahli dari Jerman bernama Johann Nepomuk Maelzel (1772–1838) namun sebenarnya idenya telah terlebih dahulu ditemukan oleh Dietrich Nikolaus Winkel (c. 1776–1826) dari Belanda.

Metronom terdiri dari sebuah bandulan yang posisinya dapat diubah-ubah dengan menggeser kepala bandulan tersebut pada sebuah tongkat pengayun guna mengatur kecepatan gerak bandulan sesuai dengan skala angka yang dibutuhkan. Bandulan dan tongkatnya digerakkan oleh per dalam suatu rangkaian mesin yang setiap kali gerakan bandulan mencapai masing-masing sisi akan terdengar bunyi ketokan yang menandai pulsa atau ketukan. Pada metronom terdapat fasilitas yang dapat mengatur jenis irama tertentu dengan bunyi ”ting” yang lebih menonjol dan nyaring dari bunyi ketokan yang monoton. Misalnya pada irama 3/4 akan terdengar pola bunyi ”ting, tok, tok, tok”, yang berulang-ulang.

Sehubungan dengan itu di samping tanda tempo berupa istilahistilah biasanya pada permulaan naskah musikal juga tertulis tanda metronom yang ditulis, misalnya “M.M. (Maelzel's metronome) = 60”, yang menunjukan bahwa kecepatan lagu yang dituntut ialah setiap satu ketukan nada setengah setara dengan 60 ketokan per menit. Kemasan metronom konvensional cenderung pada bentuk piramid. Walaupun metronom konvensional masih tetap diproduksi, saat ini kita juga bisa memperoleh berbagai macam model metronom elektronik ataupun digital. Dalam sejarah musik klasik, metronom pernah satu kali dipergunakan sebagai alat musik, yaitu pada karya komponis Honggaria, György Ligeti, berjudul Poème symphonique (1962), yang menggunakan 100 metronom (Encyclopedia Britanica 2005)

Secara umum tempo musik dapat diklasifikasikan menjadi 6 gradasi, mulai dari kategori sangat lambat, lambat, sedang, agak cepat, cepat, dan sangat cepat. Pada masing-masing kategori tersebut paling tidak terdapat antara dua hingga empat sub kategori.

Terminologi di atas dapat dimodifikasi dengan menambahkan kata-kata molto (sangat) meno (kurang) poco (sedikit) dan non troppo (tidak terlalu banyak). Poco allegro dapat berarti agak Allegro. Allegro non troppo berarti tidak terlalu allegro. Di samping tanda tempo yang tetap di atas ada juga istilah yang mengindikasikan perubahan tempo. Yang paling sering digunakan di antaranya ialah accelerando (berangsurangsur menjadi cepat) dan ritardando (berangsur melambat); tanda a tempo (kembali ke tempo asal) biasanya terdapat pada bagian yang telah dilalui tanda perubahan tempo namun bukan di bagian akhir lagu.

Kunci

2009-11-03T13:16:00.007+09:00

Tanda kunci (Inggris: key signature) berbeda dengan kunci (clef), digunakan untuk menunjukkan skala nada yang berbeda-beda. Tanda kunci selalu ditempatkan di setiap awal garis paranada (bukan hanya di awal lagu) dalam bentuk susunan aksidental kres dan mol. Khusus untuk skala C mayor tidak diperlukan tanda kunci sedangkan untuk yang lainnya menggunakan 1 hingga 7 tanda aksidental baik kres maupun mol. Penggunaan aksidental sebagai tanda kunci tidak bisa dicampur antara kres dan mol. Misalnya, untuk skala A mayor hanya menggunakan susunan 3 kres sedangkan skala Bes mayor hanya menggunakan susunan 3 mol. Dengan demikian tidak ada tanda mula yang menggunakan kombinasi kres dan mol.

<
Satu tanda kunci mengakomodasi pasangan dua pola skala (mayor dan minor) karena skala minor berasal dari skala mayor. Dengan demikian skala C mayor dan A minor sama-sama menggunakan tanda mula nol kres maupun nol mol atau tidak menggunakan simbol tanda kunci. Sehubungan dengan itu kedua skala tersebut bersaudara arau dalam istilah teori musik disebut memiliki hubungan “relatif” dan oleh karenanya tinggal di dalam satu tanda kunci sebagai “rumah” mereka.

          Tabel 1: Kunci Dasar dan Tanda Kunci

<
Pada tabel di atas tampak bahwa selain skala C mayor dan A minor, skala baru yang menggunakan kres selalu dimulai dari nada kelima skala yang lama sedangkan yang menggunakan tanda mol selalui dimulai dari nada keempat. Dengan demikian skala dengan tanda mula satu kres dimulai dari nada G dan yang menggunakan tanda mula satu mol mulai dari nada F. Untuk selanjutnya pola jarak untuk skala mayor diterapkan pada masing-masing skala yang baru. Itulah sebabnya nada F pada skala G mayor harus dinaikkan setengah laras menjadi Fis dan nada B pada skala F mayor diturunkan setengah laras menjadi Bes, sebagai konsekuensi diterapkannya pola mayor. Kedua nada tersebut (Fis dan Bes) tidak perlu ditulis di belakang tanda aksidental karena pada permulaan garis paranada.

<
Petunjuk nada-nada yang harus dinaikkan atau diturunkan diekspresikan oleh jumlah kres dan mol pada tanda mula. Masing-masing tanda aksidental pada tanda mula hanya ditulis dalam satu garis atau spasi saja guna mewakili nada yang harus dinaik-turunkan. Misalnya pada kunci atau skala G mayor tanda mula satu kres hanya ditulis di depan nada F pada garis teratas paranada saja. Walaupun demikian bukan hanya F tersebut yang dinaikkan menjadi Fis namun seluruh F pada oktaf-oktaf di bawah dan diatasnya juga otomatis menjadi Fis. Sehubungan dengan itu cara penulisan tanda-tanda aksidental pada garis paranada tidak dapat dibuat semaunya melainkan ada urutan yang baku sebagaimana tampak pada ilustrasi berikut ini.

    Tabel 2: Susunan Aksidental Kres pada Tanda Kunci

<
Pada tabel 2 di atas tampak bahwa walaupun urut-urutan aksidentalnya sama pada setiap kunci/ clef, posisi peletakannnya berbeda dari satu kunci ke kunci yang lain. Susunan nada dasar baru yang menggunakan tanda kunci beraksidental kres dengan sendirinya sama dengan susunan skala, yaitu senantiasa mulai dari nada yang kelima. Urut-urutan nada dasar atau skala semacam itu biasa juga disebut dengfan istilah “lingkaran kwint” atau “fifth circle”. Sementara itu urut-urutan nada dasar dan tanda kunci yang menggunakan aksidental mol disebut “lingkaran kwart” atau “fourth circle”.

      Tabel 3: Susunan Aksidental Mol pada Tanda Kunci

Skala Nada

2009-11-02T00:16:00.007+09:00

Dalam dunia pendidikan musik Indonesia “skala nada” lebih dikenal dengan istilah “tangga nada” sedangakan secara internasional disebut scale (Inggris). Nada-nada yang berurutan secara alfabetis adalah susunan nada-nada skala. Nada pertama pada sebuah skala memiliki kedudukan sebagai Tonika yang sekaligus menjadi nama dari 90 tangga nada tersebut. Dengan demikian rangkaian nada-nada skala yang berawal dari B disebut tangganada B dan B adalah tonika dari tangga nada tersebut.

Rangkaian nada dalam melodi terdiri dari kombinasi berbagai susunan interval, yaitu jarak di antara sebuah nada dengan nada berikutnya. Interval diukur dengan menghitung jumlah nada-nada berderet yang seharusnya ada di antara dua nada berurutan yang membentuk interval, termasuk nada pertama dan terakhir. Oleh karena itu interval di antara C dan E ialah Tiga karena sebenarnya ada D di antaranya sehingga jumlah nada yang membentuk intervalnya ada tiga yaitu C-D-E. Demikian pula interval di antara C dan G ialah Lima berdasarkan penghitungan jumlah nadanya yaitu C-D-E-F-G.

Melodi yang kita dengar sehari-hari tersusun dari skala tujuh nada atau disebut juga skala diatonis (dari bahasa Latin, dia = tujuh; tonus = nada). Berbeda dari pengertian jarak sebagai interval di antara dua nada, di antara nada-nada skala yang berurutan terdapat dua macam jarak yaitu jarak penuh (tone / whole) dan jarak setengah (semi tone/ half step). Kedua jenis jarak nada-nada skala tersebut telah memberikan kontribusi yang besar terhadap pengembangan berbagai susunan skala dari ketujuh susunan nada tersebut oleh para komponis dan ahli teori musik, selama berabad-abad. Secara umum ada dua skala yang digunakan dalam musik klasik yang menggunakan sistem tonal, yaitu skala mayor dan minor. Skala mayor ialah yang memiliki jarak setengah di antara nada ketiga dan keempat, dan di antara nada ketujuh dan kedelapan (oktafnya). Contoh di bawah ini adalah skala C mayor.

        Ilustrasi 20 : Skala C mayor.

Yang kedua ialah skala minor yang memilki tiga macam pola yaitu minor asli, minor harmonis dan minor melodis. Skala minor asli (natural) dengan jarak setengah di antara nada kedua dan ketiga, dan di antara nada kelima dan keenam. Jika diperhatikan maka karakteristik pola ini sama dengan skala mayor yang dimulai dari nada keenam. Dengan demikian sebutan minor asli pada pola ini menunjukkan bahwa ia berasal dari skala mayor dengan tanpa perubahan sedikit pun kecuali mulai dari nada keenam skala mayor.

     Ilustrasi 21 : Skala A minor asli/ natural.

Sementara skala minor natural berasal dari skala mayor, dua pola skala minor yang lain berasal dari skala minor asli. Skala minor harmonis menaikkan nada ketujuh setengah laras dengan menggunakan aksidental, yaitu tanda untuk menaikkan dan menurunkan nada asli. Pada skala minor harmonis ini nada G dinaikkan dengan tanda aksidental kres ( ) sehingga menjadi Gis yang lebih tinggi setengah laras. Penaikkan ini tampaknya bermaksud untuk mempertegas nada A di atasnya sebagai representasi tonika yang merupakan identitas skala tersebut yaitu skala A minor.

Sebagaimana halnya nada B dalam skala C mayor yang merupakan pengantar ke C, posisi Gis dalam skala A minor adalah juga sebagai pengantar ke A. Resiko dari penaikan ini ialah jarak yang melebar di antara nada keenam dan ketujuh sehingga terasa kurang melodis. Ketegasan tonika yang disebabkan penaikan tersebut menyebabkan pola skala minor ini lebih harmonis di bandingkan dengan minor asli. Ketegasan dan konsistensi skala ini menyerupai skala mayor sehingga cocok digunakan untuk menyusun harmoni.

     Ilustrasi 22: Skala A minor harmonis

Skala minor melodis memiliki karakteristik yang sesuai dengan namanya. Skala ini memiliki kecenderungan tonalitas yang lebih mirip dengan skala mayor yaitu di samping memiliki ketegasan tonika, juga lebih mengalir dibandingkan dengan minor harmonis sebagai akibat dari penerapan dua macam jarak nada saja yaitu tone dan semi tone. Keunikan skala minor melodis dibandingkan dengan ketiga skala lainnya ialah terdapatnya pola yang berbeda pada saat mulai atau naik dan saat kembali atau turun. Pada saat naik bukan hanya nada ketujuh yang dinaikkan namun juga nada keenam yaitu dari F menjadi Fis. Pada saat turun, kedua nada yang sebelumnya telah dinaikkan dengan tanda aksidental kres, kini dikembalikan ke nada aslinya dengan aksidental natural ( ).

      Ilustrasi 23 : Skala A minor melodis

Dengan demikian pada saat turun polanya sama dengan skala mayor turun mulai nada keenam. Jika kedua nada tersebut tidak dikembalikan pada saat turun maka akan sama dengan pola skala A mayor turun dari tonikanya. Dengan kata lain skala tersebut telah bermodulasi secara pararel kepada kunci mayor. Pada skala minor natural turun statusnya tidak berubah menjadi C mayor karena mulai dari A sebagai tonikanya.

Di samping mayor dan minor tentu saja ada pola-pola skala yang lain yang jarang digunakan dalam musik klasik yang berbasis sistem tonal. Skala-skala tersebut di antaranya ialah modus-modus gereja Abad Pertengahan, skala whole-tone11 yang dipopulerkan Debussy, skala pentatonik (lima nada) yang digunakan untuk menciptakan efek-efek oriental. Di samping itu ada juga skala lain yang didasarkan atas skala diatonis yaitu skala kromatis; dari kata latin chrome yang berarti warna. Tampaknya maksud pewarnaan dalam konteks ini ialah penambahan nada-nada sisipan dari nada-nada pokok; misalnya di samping G ada Gis atau Ges yang lebih rendah setengah laras karena diturunkan oleh tanda aksidental mol ( ).

Garis Paranada

2009-11-01T23:32:00.007+09:00

Butir-butir nada diletakan pada lima buah garis sejajar yang di Indonesia lazim disebut paranada (Inggris: Staff). Sitem penulisan butirbutir nada para paranada dikenal dalam masyarakat kita dengan istikah not balok.Pada dasarnya prinsip membaca not balok adalah sangat sederhana seperti halnya membaca sebuah grafik yang logis. Tingkat ketinggian nada dapat terlihat dengan jelas sebagaimana apa adanya pada paranada. Butir nada yang terletak di bawah menunjukkan nada yang rendah dan demikian pula halnya dengan nada yang tinggi tentunya terletak di wilayah atas. Pada garis paranada terdapat garis-garis vertikal pembatas iramam disebut garis birama. Di antara garis-garis pembatas terbentuk kolom-kolom yang disebut birama (Inggris: bar)

                 Ilustrasi17 : Paranada

Nama-nama nada diterapkan sejalan dengan keadaan tersebut, sehingga semakin tinggi letak butir nada maka abjad yang digunakan semakin ke kanan. Pada ilustrasi di atas dapat kita maklumi bahwa posisi nada-nada pada paranada dapat diklasifikasikan pada dua tempat, yang pertama yaitu pada spasi atau di antara garis, dan yang kedua pada garis. Sebagaimana ditunjukkan pada birama pertama dan kedua dalam contoh di atas, secara berurutan nada B pada garis ketiga, terletak di atas nada A pada spasi kedua. Nada-nada yang berada di luar kelima garis sejajar atau paranada tersebut, diakomodasi seperlunya oleh garisgaris bantu yang diletakkan di atas maupun di bawah paranada.

Guna memperoleh pemahaman yang lebih mendalam, maka penulisan nada pada paranada dapat disimak pada ilustrasi berikut ini:

        Ilustrasi 18: Posisi nada-nada dalam paranada

Paranada dapat mengakomodasi seluruh wilayah nada-nada musikal dari yang terrendah hingga yang tertinggi. Untuk keperluan tersebut nama-nama nada pada paranada ditentukan oleh kunci (Inggris: Clef) yang berbeda-beda yang diletakkan pada setiap awal paranada. Penulisan nada-nada pada wilayah suara tinggi (Diskan) menggunakan kunci G (G clef) atau biasa juga disebut treble clef; nada-nada pada wilayah suara rendah (baskan) menggunakan kunci F atau biasa disebut bass clef. Di antara kedua kunci tersebut ada kunci-kunci lain yaitu kunci C yang biasa disebut dengan alto clef, untuk mengakomodasi penulisan nada-nada tengah.

  Ilustrasi 19: Posisi nada C berdasarkan kunci (clef)

Bunyi

2009-11-01T23:28:00.002+09:00

Bunyi dan nada dipelajari dalam mata pelajaran iImu akustika musik. Biasanya ilmu akustika dipelajari sebagai landasan dalam memahami produksi bunyi berbagai instrumen musik. Secara akustik, bunyi dihasilkan oleh getaran. Sebagai contoh ialah fenomena produksi suara yang dihasilkan dengan jalan menggesekkan alat penggesek (bow) pada dawai-dawai biola. Contoh lain ialah petikan pada dawai-dawai gitar. Perlu dicatat bahwa bunyi bukan vibrasi melainkan efek yang dihasilkan vibrasi. Secara sederhana bunyi adalah sensasi otak. Bunyi yang diproduksi alat musik maupun apa saja, menyebar ke segala arah. Beberapa di antaranya ditangkap oleh telinga kemudian dikirim ke otak. Otak kemudian menerjemahkan pesan-pesan tersebut sebagai bunyi.

Nada memiliki tingkat ketinggian yang berbeda-beda. Tingkat ketinggian bunyi maupun nada yang dalam istilah internasional disebut pitch (bahasa Inggris) ditentukan oleh kecepatan getar atau biasa disebut frekuensi. Getaran yang teratur pada jumlah tertentu dalam setiap detiknya menghasilkan nada-nada musikal yang membedakan dari bunyi yang diproduksi untuk tujuan lain. Semakin tinggi kecepatan getaran maka semakin tinggi pula tingkat ketinggian suatu bunyi atau nada. Sebuah nada dengan jumlah getaran tertentu akan menjadi satu oktaf lebih tinggi jika jumlah getarannya dilipat gandakan. Misalnya nada C tengah yang memiliki 256 getaran per detik, maka nada oktafnya, yaitu C berikutnya, akan memiliki 512 getaran per detik.

Berdasarkan tinggi rendahnya, penyebutan nada-nada musikal menggunakan tujuh abjad pertama yaitu A, B, C, D, E, F, dan G, mulai dari yang terrendah hingga tertinggi. Nada kelipatannya yaitu A, yang 88 hadir setelah G, disebut sebagai oktaf. Demikian pula seterusnya hal tersebut berlaku untuk kelipatan nada-nada yang lainnya. Secara umum wujud notasi nada ialah butir-butir yang berbentuk sedikit lonjong.

BAHAN-BAHAN DASAR PEMBENTUK MUSIK

2009-11-01T21:19:00.002+09:00

Sebagaimana halnya produk-produk manusia yang lain seperti kendaraan bermotor, gedung, senjata, dan apapun yang terdapat di dunia ini, bahkan termasuk manusia sendiri yang merupakan ciptaan Tuhan, maka musik pun tersusun dari unsur-unsur yang membentuk keberadaannya.

Jika dibandingkan dengan manusia hidup maka musik juga memiliki jiwa, jantung, pikiran, dan kerangka. Jiwa musik terdapat pada melodi, jantung atau denyut jantungnya adalah ritme, pikiriannya adakah harmoni dan kontrapung, dan kerangkanya ialah bentuk. Beberapa komponen pendukung keberadaan musik tersebut tersusun dari bahan-bahan pembentuk unsur-unsur tersebut yang akan dibahas pada pembahasan berikutnya.

Staff / sangkar nada

2009-11-01T16:20:00.002+09:00

Istilah staff atau stave dalam bahasa Inggris biasa di terjemahkan dengan sangkar nada. staff terdiri dari 5 garis horizontal dan memiliki 4 kolom. Sebuah kunci (qlef) di letakkan di bagian depan sebuah staff, baru setelah itu tanda waktu (time signature). Setiap ruas dalam sangkar nada di pisahkan oleh garis birama (barline) dan diakhiri dengan garis birama selesai (final barline). Jarak dari sebuah garis birama ke garis birama selanjutnya disebut dengan satu birama. Kunci G menunjukkan bahwa register suara instrumen yang di gunakan di wilayah tinggi (sopran, mezzosopran) yang biasa di gunakan dalam penulisan instrumen gitar, piano (suara atas), rekorder, flute, violin dsb.

Tanda Waktu (time signature)

2009-10-31T18:25:00.004+09:00

Tanda waktu di tulis dalam bentuk pecahan seperti 2/4, 3/4. 4/4, dsb. angka di atas menunjukkan banyaknya ketukan dalam tiap birama dan angka di bawah menunjukkan not yang mewakili tiap ketukan tersebut. Tanda waktu 2/4 berarti terdapat 2 ketuk dalam tiap-tiap birama dan setiap ketuk diwakili oleh not 1/4. Lihatlah gambar berikut: Nah dalam tiap birama bisa di isi dengan not-not apa saja selama nilai ketukan tidak melebihi yang ditunjukkan oleh tanda waktu. seperti dalam 2/4, 3/4 bisa di tulis dengan : dan masih banyak lagi kemungkinan yang lain (bahasan selanjutnya) Sebagai latihan mainkanlah contoh berikut:

Mengenal Bentuk Not

2009-10-31T18:17:00.007+09:00

Pada tahap awal mempelajari teori musik, hafalan memegang peranan utama. Oleh Karena pastikan untuk menghafal seluruh pelajaran sebelum melangkah ke materi berikut.Lihatlah gambar berikut :

Bila kita perhatikan masing-masing not memiliki bentuk dan nama yang berbeda. Istilah Amerika dan Inggris adalah yang paling umum di gunakan dalam buku-buku musik.

Jadi tugas pertama selain menghafal bentuk sekaligus harus mengetahui nama dan nilai ketukannya.Nilai ketukan berarti seberapa panjangkah not tersebut berbunyi. Untuk memperjelas coba sekarang lihatlah pada jam dan perhatikan jarum panjangnya (detik). Dalam satu menit jarum panjang akan berjalan 60 kali artinya 60 ketuk dalam satu menit.Ini berarti bahwa : 1. not penuh akan selalu berbunyi kembali setelah 4 detik, 2. not 1/2 akan berbunyi setelah 2 detik dan 3. not 1/4 akan berbunyi tiap detik. Untuk not 1/8 berarti dalam 1 detik not berbunyi dua kali. Tapi harus diperhatikan bahwa proporsi panjangnya haruslah sama. Untuk membantu bisa dilakukan dengan cara mengucapkan suku kata sa-tu, du-a, ti-ga, em-pat dalam setiap detiknya. Sedangkan untuk not 1/16 berarti dalam satu detik not akan berbunyi 4 kali. Buatlah persiapan dengan mengucapkan tu-a-ga-pat dalam tiap detiknya. Dalam contoh ini secara berurutan dimulai dari not penuh sampai dengan not seperenambelas. Bunyi "tak" mewakili detik jam dan nilai not dimainkan dengan instrumen piano

Teori musik

2009-10-31T17:40:00.001+09:00

Teori musik merupakan cabang ilmu yang menjelaskan unsur-unsur musik. Cabang ilmu ini mencakup pengembangan dan penerapan metode untuk menganalisis maupun menggubah musik, dan keterkaitan antara notasi musik dan pembawaan musik.

Hal-hal yang dipelajari dalam teori musik mencakup misalnya suara, nada, ritme, melodi, harmoni, dan notasi.

Suara

Teori musik menjelaskan bagaimana suara dinotasikan atau dituliskan dan bagaimana suara tersebut ditangkap dalam benak pendengarnya. Dalam musik, gelombang suara biasanya dibahas tidak dalam panjang gelombangnya maupun periodenya, melainkan dalam frekuensinya. Aspek-aspek dasar suara dalam musik biasanya dijelaskan dalam tala (Inggris: pitch, yaitu tinggi nada), durasi (berapa lama suara ada), intensitas, dan timbre (warna bunyi).

Nada

Suara dapat dibagi-bagi ke dalam nada yang memiliki tinggi nada atau tala tertentu menurut frekuensinya ataupun menurut jarak relatif tinggi nada tersebut terhadap tinggi nada patokan. Perbedaan tala antara dua nada disebut sebagai interval. Nada dapat diatur dalam tangga nada yang berbeda-beda. Tangga nada yang paling lazim adalah tangga nada mayor, tangga nada minor, dan tangga nada pentatonik. Nada dasar suatu karya musik menentukan frekuensi tiap nada dalam karya tersebut.

Ritme

adalah pengaturan bunyi dalam waktu. Birama merupakan pembagian kelompok ketukan dalam waktu. Tanda birama menunjukkan jumlah ketukan dalam birama dan not mana yang dihitung dan dianggap sebagai satu ketukan. Nada-nada tertentu dapat diaksentuasi dengan pemberian tekanan (dan pembedaan durasi).

Melodi

Melodi adalah serangkaian nada dalam waktu. Rangkaian tersebut dapat dibunyikan sendirian, yaitu tanpa iringan, atau dapat merupakan bagian dari rangkaian akord dalam waktu (biasanya merupakan rangkaian nada tertinggi dalam akord-akord tersebut).

Harmoni

Harmoni secara umum dapat dikatakan sebagai kejadian dua atau lebih nada dengan tinggi berbeda dibunyikan bersamaan, walaupun harmoni juga dapat terjadi bila nada-nada tersebut dibunyikan berurutan (seperti dalam arpeggio). Harmoni yang terdiri dari tiga atau lebih nada yang dibunyikan bersamaan biasanya disebut akord.

Notasi

Notasi musik merupakan penggambaran tertulis atas musik. Dalam notasi balok, tinggi nada digambarkan secara vertikal sedangkan waktu (ritme) digambarkan secara horisontal. Kedua unsur tersebut membentuk paranada, di samping petunjuk-petunjuk nada dasar, tempo, dinamika, dan sebagainya

Era Kontemporer 1900-Sekarang

2009-10-30T15:55:00.002+09:00

Periode ini dalam sejarah musik sering disebut sebagai periode Modern sejak tahun 1900 sebagai titik awalnya. Era kontemporer musik dipicu oleh peran komposer-komposer Romantik yang mengembangkan gaya nasionalistik terutama yang berkembang di negara-negara Eropa Timur. Nasionalisme menjadi salah-satu ciri utama Romantik selain kecintaan mereka kepada alam, kepahlawanan, cinta, tragedi, mistik, kelucuan, dan sesuatu yang eksotis. Nasionalisme memberikan ciri khusus pada musik-musik yang berkembang di Eropa Timur dan berbeda daripada Eropa Barat pada umumnya. Para komposer Romantik di Eropa Timur banyak menghadirkan musik yang bernuansa budaya nasional, idiom-idiom lokal, dan tertarik dengan keindahan pemandangan alam setempat. Claude Debussy dan Maurice Ravel mereka adalah komposer Perancis yang mengawali periode komtemporer dengan gaya impresionisme. Musik era ini menggunakan pola-pola ritme yang tak berbentuk, tangga nada whole-tone, konsep tentang hubungan bebas pada harmoni-harmoni berdekatan, dan tekstur-tektur kalaedokopik dari impresionisme musikal. Gerakan estetik adalah manifestasimanifestasi musikal yang bersumber dari seni lukis dan sastra. Karya-karya eksperimental dari Arnold Schoenberg dan Igor Stravinsky sekitar tahun 1910 dikabarkan sebagai zaman baru dalam musik. Schoenberg adalah seorang pioner yang mengadopsi ide-ide dari gerakan para Ekspresionis—seperti Impresionisme yang diambil dari perkembangan seni-seni lain. Ekspresionisme mengeplorasi konsepkonsep konsonan dan disonan dari harmoni tradisional untuk mengembangkan ”atonalitas” dan ”teknik 12-nada”. Gaya revolusioner dari Stravinsky terkadang disebtu “dinamisme”, “barbarisme”, atau “primitivisme”, berkonsentrasi pada ketidakseimbangan metrik dan disonan-disonan perkusif, serta didahului suatu dekade dari percobaan ekstrim yang bertepatan dengan Perang Dunia I, suatu periode besar terkait dengan pergolakan sosial dan politik. Musik periode kontemporer telah terkait dengan nilai-nilai sosial, politik, dan banyak hal lain selain nilai keindahannya. Kontras dengan eksperimen-eksperimen Schoenberg dan Stravinsky tersebut selama dekade kedua abad ke-20 muncul aliran yang ingin kembali kepada idaman-idaman estetika akhir abad ke-18 dan kemudian dinaman Neoklasik. Tokoh-tokohnya ialah Paul Hindemith, Béla Bartok, dan Sergey Prokoviev dan Alban Berg. Aliran ini berwatak terbebas dari muatan emosional, penyederhanaan material-material, struktur dan tekstur; dan lebih mementingkan garis-garis melodi kontrapungtis daripada warna harmonik atau instrumental. Neoklasik diteruskan sebagai tren utama hingga sekitar tahun 1920 dan Perang Dunia II berlangsung, teknik-teknik ekspetimental dikenalkan selama dekade kedua abad ini secara bertahap dimurnikan kembali, dimodifikasi, dan digabungkan ke dalam perbendaharaan istilah musikal yang diterima umum. Pasca Perang Dunia II ditandai oleh dua sikap artistik utama yang cenderung menggabungkan unsur-unsur yang ada, Anton von Webern membawa komposisi serial secara lebih ekstrim secara ketrampilan dan intelektual yang berorientasi kepada Klasikisme daripada Ekspresionisme. Stravinsky, anggota tertua dari kelompok Neoklasik, mulai melakukan ekperimen dengan Serialisme. Musik Avant-garde mulai dikembangkan dengan teknik-teknik yang memungkinkan menggunakan unsur elektronika

Era Romantik (1820-1900)

2009-10-30T15:53:00.003+09:00

Komposer-komposer Jerman seperti Beethoven merespon gerakan Sturm und Drang dan menjadikan pergantian gaya musikal dan sikap estetik yang lebih personal, nasionalistik, bebas, dan menjadikan ciri khas Romantik. Batasan romantik berasal dari sastra Jerman pada akhir abad ke-18, seorang penulis Franco-Swiss bernama Mme de Staël mengaitkan gagasan-gagasan baru dengan gerakan yang terjadi pada tahun 1813 sebagai sesuatu yang asli, modern, populer, natural, religius, dan pemberlakuan institusi-institusi sosial. Maka musik Romantik berbeda dari gaya sebelumnya dan acapkali dikatakan berlawanan dengan Klasik karena wataknya yang emosional, subjektif, nasionalis, individual, eksotis, melarikan diri, nafsu bebas, dan bahkan tidak rasional. Sifat-sifat gaya romantik sangat ditentukan oleh upaya para komposer yang memperkaya sumber-sumber inspirasi dan sumbersumber material bagi komposisi mereka. Orkestra, musik piano, solo vokal dengan iringan piano, dan opera dijadikan sebagai jenis-jenis musik utama, tetapi musik kamar dan musik vokal pujian agak dipinggirkan. Metrik genap dan metrik gasal dijadikan sebagai basis metrik musik, tetapi terkadang dilakukan juga eksperimen-eksperimen menggabungkan keduanya secara tidak biasa. Ritme diakui sebagai suatu inti yang penting dari masalah ekspresi dalam musik. Gaya melodi ditekankan berasal dari gaya menyanyi dengan ciri panjang dan alur-alur lirik. Di sisi lain kemungkinan-kemungkinan baru secara idiomatis pada perwatakan instrumen digali dan dikembangkan. Elemen-elemen harmoni dan tonal terus-menerus dikembangkan selama abad itu, dengan kromatikisme, sonoritas diperkaya misalnya dengan akord tujuh dan akord sembilan, dan bunyi-bunyi yang nonharmonis banyak digunakan secara lebih bebas. Modulasi-modulasi semakin menjauh dari tonalnya, tetapi musik masih berpusat pada melodi dan harmoni. Beethoven adalah seorang figur transisional yang menghantarkan gaya Klasik abad ke-18 menuju gaya Romantik abad ke-19. Ia adalah komposer yang paling fenomenal dalam sejarah musik diatonik karena kegigihannya dalam menunjukkan personalitas dan watak pribadi melalui komposisi-komposisinya. Terinspirasi oleh adanya kekuatan-kekuatan revolusioner pada masanya, terutama Revolusi Perancis, ia mendeklarasikan sendiri sebagai pembaharu artistik yang merdeka, bebas dari pengaruh kekuasaan atau patron tertentu. Pada awalnya ia mencipta musik demi memenuhi pesanan dan imbalan finansial, tetapi kemudian pada tahun 1820 ia mulai mendeklarasikan kebebasan dirinya dalam mencipta musik dan hanya menulis musik jika digerakkan oleh imajinasi dan kata hatinyas saja. Ia telah menetapkan aspek-aspek seperti individualitas, subjektivitas, dan ekspresi emosional sebagai standar pada komposer-komposer Romantik. Kemerdekaan atau kebebasan (freedom) adalah kata yang melekat pada komposer paling fenomenal ini, ia berani melawan Kaisar Napoleon Bonaparte melalui Simfoni No. 3 Eroica yang kemudian menjadi tonggak sejarah musik Romantik. Beethoven tampil sebagai pujangga musik dunia yang mampu menembus batas-batas kultur Barat

Era Klasik (1750-1820)

2009-10-30T15:43:00.002+09:00

Seperti yang terjadi pada era Renaisans, sebenarnya cukup sulit mendefinisikan era ini sekalipun menggunakan tinjauan periode waktu, perbedaan gaya-gaya musikal, perilaku estetik, idealisme, atau bahkan norma-norma yang ditetapkan. Cara paling mudah memahami era Klasik ialah dengan memahami klasikisme sebagai idealisme para pemuja dewa Apollo era Yunani Kuno. Era ini mewarisi dan mengembangkan klasikisme secara total melalui pikiran positif, sikap tenang, seimbang antara rasio dan rasa, dan struktur yang jernih. Jika Apollo adalah dewa keadilan, keindahan, seni, musik, dan sebagai personifikasi dari watak tenang dan seimbang (hamonious tranquility); maka teori penting tentang Apollo dikembangkan Nietzsche yang mengatakan bahwa Apollo adalah dewa kebijaksanaan, pikiran analitis, pembentuk kepribadian, refleksi diri, dan pemahaman—yang dilawan oleh Dionysus sebagai dewa yang melahirkan prototipe romantikisme. Kata “klasik” bermakna sesuatu yang ber-‘kelas’ tinggi, bukan sesuatu yang berkualitas sembarangan. Musik klasik (semua musik serius) termasuk dalam kategori itu, tetapi era Klasik tidak mendadak menemukan jati-dirinya melainkan dimulai oleh gaya rokoko yang riang (galant style) khususnya di Perancis dan gaya sentimental (empfindsamer stil) yang dikembangkan pada tahun 1750 hingga 1760- an di Jerman. Perancis menyumbang obsesi kejernihan (lightness), keanggunan (gracefulness), dan hiasan (decoration); sedangkan Jerman lebih senang pada masalah rasa (sensibilities). Di Jerman suatu gerakan kesenian yang penting adalah Sturm und Drang (”Storm and Stress”, ”Badai dan Stres”) muncul selama tahun 1770 hingga 1780-an dipelopori oleh pujangga besar Goethe dan kawan-kawan yang mengajak agar lebih meningkatkan ekspresi personal dan menggunakan repertoar bangsa sendiri dalam karya-karya seni—Jerman. Perubahan fundamental gaya musikal Klasik dari Barok diinspirasikan oleh Rokoko yang memurnikan kembali idealisme klasik Yunani Kuno oleh para komposer hebat seperti Joseph Haydn, Wolgang Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck, dan Ludwig van Beethoven. Untuk pertama kali dalam sejarah musik bahwa musik instrumental lebih penting daripada musik vokal. Orkestra dan musik kamar seperti kuartet, kuintet, dan trio piano—dijadikan standar dan menggantikan dominasi ansambel-ansambel Barok. Polifoni digantikan gaya homofoni yang membedakan fungsi melodi dan progresi akord-akord sebagai iringan. Bentuk musik (musical form) terpenting adalah bentuk sonata (sonata form) yang digunakan pada simfoni, sonata, dan konserto. Suatu gerakan kesenian yang penting ialah Sturm und Drang (”Storm and Stress”, ”Badai dan Stres”) muncul di Jerman dipelopori oleh pujangga besar Goethe dan kawan-kawan, mengajak seniman agar lebih meningkatkan ekspresi personal dan menggunakan repertoar sendiri dalam karya-karya seni. Melalui gerakan kebudayaan itu para pujangga menggugah kesadaran cinta tanah air atau nasionalisme bagi bangsa Jerman melalui perhatian mereka pada karya-karya seni bangsa sendiri

Era Barok (1600-1750)

2009-10-30T15:32:00.002+09:00

Periode waktu musik Barok yang juga dikenal sebagai awal suatu masa paling dramatik dalam sejarah musik, dikatakan sebagai mulainya era tonal, tetapi totalitas musik yang menggunakan tangga nada diatonik sebenarnya berlangsung hingga pada awal abad ke-20, selebihnya musik modern mulai banyak yang meninggalkan sistem diatonik itu. Sekalipun kata Perancis Baroque; Inggris/Jerman: Barock; Italy: Barocco—semua menunjuk pada kata sifat ’bizaree’ (aneh, ajaib, dan ganjil)—pada mulanya berkonotasi buruk, digunakan untuk tujuan menghina, merendahkan, dan abnormal; tetapi definisinya semakin menjadi positif, agung, dramatik, dan bahkan mengandung spirit kuat dalam seni. Spirit itu diperlukan untuk mengembangkan kekayaan musikal dan menumbuhkan dengan cepat teknik-teknik yang diperlukan. Dua gaya musik yang terpenting adalah gaya antik (prima prattica, stile antico) dan (sconda prattica, stile moderno) yang lebih teatrikal daripada yang pertama. Periode pertama era Barok sebagai awal ditandai dengan penerapan unsur dramatik pada musik terutama pada operan dan oratorio, tetapi juga pada musik instrumental dengan menambahkan unsur-unsur dinamik seperti forte-piano (keras-lembut). Di Italy ada komposer-komposer antara lain Giulio Caccini, Jacopo Peri, Claudio Monteverdi, dan Pietro Francesco Cavalli; di Perancis ialah Jean Baptiste Lully; dan di Jerman Heinrich Schütz. Periode kedua ditandai oleh adanya unsur keseimbangan harmonik dan polifonik pada komposisi-komposisi Barok yang dilakukan oleh para komposer Italy Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi, Allesandro Scarlatti, dan Domenico Scarlatti; Inggris Henry Purcell, komposer Perancis Francois Couperin, Jerman Johann Sebastian Bach, dan George Frideric Handel. Musik Barok menyumbang bagi kesempurnaan sistem musik Barat dengan sistem tonalitas yang berbasis perkuncian, memformulasikan nada-nada menjadi akord-akord, interrelasi melodi dan akord dalam tangga nada mayor atau minor—menjadikan musik diatonik bisa diterima mendunia. Dua gaya musikal yang sangat berbeda dari Renaisans adalah gaya musik concertato dan basso continuo. Gaya pertama menerapkan teknik kontras, kombinasi, dan alternasi antara solo dan iringan; sedangkan yang kedua teknik menggarap iringan musik berbasis nada-nada bas (nada paling bawah). Dua gaya itu banyak digunakan dalam komposisi instrumental yang menjadikan era ini merupakan masa gemilang musik instrumental seperti jenis musik ”sonata” dan ”concerto”. Pusat-pusat musik Barok dan para komposernya adalah Italia, Perancis, Inggris, dan Jerman; semua menghasilkan beraneka ragam repertoar musik vokal dan instrumental seperti sinfonia, overture, opera, sonata da chiesa, dan sonata da camera. Musik hiburan (entertainment music) secara bertahap mulai berkembang baik secara kualitas maupun kuantitasnya dan memperkaya musik gereja yang sudah ada. Mulai tahun 1700 beberapa bentuk musik berbeda muncul seperti solo sonata, trio sonata, suita tarian, dan concerto grosso

ERA RENAISANS (1450-1600)

2009-10-30T15:15:00.003+09:00

Berwatak klasik, pengekangan, menahan diri, dan kalem. Selain tertarik pada kebudayaan Yunani Kuno, juga berkembang humanisme khususnya di Italia dan fundamentalisme di Eropa Utara, tetapi sarat dengan penemuan ilmiah. Kebudayaan termasuk musik berkembang baik di dalam maupun di luar gereja. Manusia seperti telah menemukan kembali jati dirinya terutama tampak pada idealisme kaum Protestan yang meyakini bahwa manusia bisa berhubungan langsung dengan Tuhan-nya. Melodi dan tekstur musik masih menggunakan modus-modus sebelumnya, tetapi akord-akord mulai disusun dengan cara menghubungkan melodi-melodi yang menghasilkan konsonan atau disonan. Selain musik vokal, era ini ditandai mulainya komposisi solo dengan iringan ansambel instrumental. Selama abad ke-16 musik instrumental merangkak naik cepat terkait dengan perkembangan teknik permainan instrumen yang idiomatis seperti ritme-ritme beraksen kuat, nada-nada yang diulang-ulang, wilayah nada semakin luas dan panjang, nada-nada yang ditahan dan frase-frase, dan banyak ornamentasi melodi. Renaisans dapat diartikan sebagai periode dalam Sejarah Eropa Barat dimana manusia mulai melakukan eksplorasi terhadap dunia, baik melalui perjalanan atau penjelajahan ke Timur maupun ke Selatan belahan bumi, tetapi mereka juga gemar mengembangkan ilmu pengetahuan dan kesenian. Oleh karena pikiran manusia menjadi semakin bebas, maka musik sekuler mulai muncul dan berkembang pula musik-musik instrumental yang semula kurang mendapatkan tempat di lingkungan tradisi gereja. Tetapi musik gereja tetap sangat penting dan gaya polifonik vokal sangat berkembang pada periode ini. Komposer terpenting ialah Josquin des Prés, Orlandus Lassus, William Byrd, dan Giovanni Pierluigi da Palestrina

ERA ABAD PERTENGAHAN (Medieval Era) 600-1450

2009-10-30T15:07:00.003+09:00

Meliputi suatu periode masa yang paling panjang terkait dengan semua kehidupan dan seni untuk pelayanan gereja. Musik untuk keperluan ibadat, sebagai alat utama untuk memahami karya-karya Tuhan Allah. Mewarisi modus-modus Yunani, bangsa Romawi yang kristen mengembangkan modus-modus gereja sebagai sistem tangga nada yang hingga kini masih digunakan dalam berbagai peribadatan kristen. Standarisasi dalam berbagai lapangan pengetahuan juga terjadi dalam musik, biarawan dan teoretikus musik Guido d’Arezzo (ca. 997 – ca. 1050) merancang sistem menyanyi yang dinamakan ’solmisasi’. Pemimpin gereja Paus Gregorius I mengatur penggunaan lagu-lagu pujian untuk peribadatan gereja yang dikenal dengan Gregorian chant. Gaya polifoni sebagai teknologi komposisi yang menggabungkan dua alur melodi atau lebih memperkaya rasa keindahan musikal dibandingkan gaya monofon sebelumnya dan cikal-bakal harmoni. Pusat musik abad ke-14 adalah Italy dengan komposer-komposer penting seperti Francisco Landini, Giovanni da Cascia, dan Jacopo da Bologna. Untuk pertama kali di Paris para pencipta musik Léonin dan Perotin yang notabene adalah biarawan Katedral Notre-Dame disebut sebagai komposer-komposer ”Aliran Notre-Dame” (The Notre-Dame School). Sebuah risalah penting berjudul Ars Nova (Seni Baru) oleh Philippe de Vitry muncul lebih awal pada abad ke-14 dan sekaligus menunjukkan bahwa seni yang berkembang sebelumnya menjadi kuno

ERA KUNO (Antiquity) (- 500)

2009-10-30T15:04:00.003+09:00

Musik Barat Awal terbentuk oleh tiga komponen budaya meliputi tradisi-tradisi yang tidak sepenuhnya Eropa:

Pertama, Timur Tengah dan Mesir Kuno (daerah Mesopotamia di sekitar sungai Tigris dan Euphrate yang didiami suku-suku bangsa Sumeria, Babylonia, dan Assyria) meninggalkan artefak gambar-gambar instrumen musik yang sudah lengkap (idiofon, aerofon, kordofon, dan membranofon) untuk memainkan himne yang diukir pada batu tahun 800 SM.Lima ratus tahun kemudian Bangsa Mesir melakukan hal yang sama, sedangkan bangsa Yahudi tercatat sejak tahun 2000 SM dan didokumentasikan dalam Kitab Perjanjian Lama yang lebih berkembang karena kemudian diadobsi dan diadaptasikan dalam liturgi agama Kristen kemudian. Tradisi peribadatan Yahudi di synagoge (kuil) berupa gaya menyanyi silabis dan melismatis hingga kini tetap digunakan di seluruh dunia.

Kedua, Yunani Kuno, merupakan budaya yang paling berpengaruh pada perkembangan musik di Barat melalui bangsa Romawi yang menaklukkan mereka tetapi sekaligus banyak mengadobsi budayanya. Sejarah Yunani baru mulai sekitar tahun 1000 SM tetapi segera mempengaruhi bangsa-bangsa sekitarnya. Dua dewa yang paling dipuja bangsa Yunani Kuno adalah Apollo dan Dionysus—kelak menjadi prototipe dua kutub aliran estetika yang saling berlawanan yakni klasik dan romantik. Pemuja Apollo, memainkan instrumen musik berdawai kithara sejenis lyre adalah kaum yang berwatak objektif terhadap ekspresi, sederhana, dan jernih. Sebaliknya pengikut Dionysus suka memainkan instrumen tiup aulos, bersifat subjektif, emosional, dan berhawa nafsu besar. Doktrin etos seperti yang dijelaskan filsuf Plato dan Aristoteles meyakini bahwa musik memberikan efek langsung pada perilaku seseorang yang mendengarkannya. Akibatnya, sistem sosial dan politik menjadi belit-membelit dengan musik, pendidikan berfokus pada musik dan olahraga senam (musica dan gymnastica), bahkan untuk membentuk tatanan fundamental masyarakat dilakukan rasionalisasi musik seperti: penalaan nada, memilih instrumen musik, mencipta modus dan ritme-ritme. Ahli matematik Pythagoras menjadi orang pertama yang meneliti perbandingan-perbandingan getaran dawai dan menetapkan urutan nada-nada yang hingga kini menjadi dasar sistem musik diatonik.

Ketiga, Romawi Kuno, bilamana budaya musikal wilayah Mediterania timur dicangkok-kan ke dalam wilayah Mediterania barat oleh kembalinya serdadu-serdau Romawi, maka modifikasi dengan berbagai selera dan tradisi-tradisi lokal yang ada tak bisa dihindarkan. Modifikasi nyatanya bahkan hanya lebih menyederhanakan saja dari model-model yang diadobsi. Tangga nada diatonik (tujuh nada) dijadikan standar menggantikan struktur-struktur kromatik dan enharmonik dari sistem musik Yunani. Romawi tidak memiliki kekayaan warisan musikal berupa: teori akustik, konsep modus, pengelompokan ritme, organologi instrumen musik, sistem notasi yang meliputi pitch dan durasi, dan banyak repertoar berupa melodi-melodi yang digunakan untuk contoh-contoh pada komposisi selanjutnya

SEJARAH MUSIK

2009-10-30T15:02:00.004+09:00

Perkembangan musik klasik dapat dikelompokkan dengan berbagai sistem. Sebagai contoh ialah yang mengacu pada perkembangan tekstur musikal, seperti periodesasi yang di buat oleh Ewen (1963:7-13):

Era Polifonik (1200-1650),
Masa Kelahiran Homofonik (abad ke-17),
Periode Klasik (abad ke-18 hingga permulaan abad ke-19)

Periode Romantik (abad ke-19,

Periode Modern (abad ke-20).

Sementara itu Stein (1963) merdasarkan periodesasi historis musik klasik atas prosedur komposisi dan bentuk musik. Menurut sitem tersebut taksonomi historis musik klasik adalah sebagai berikut:

Era Abad Pertengahan (300-1000),
Romanesque (1000-1150),
Ars Antiqua (1150- 1300),
Ars Nova (1300-1400),
Renaisans Awal (1400-1500),
Renaisans Tinggi (1500-1600),
Barok (1600-1750),
Rococo (1725-1778),
Klasikisme (1750-1827),
Romantikisme (1800-1900),
Impresionisme (1880-1918),
Abad ke-20 (1900 hingga sekarang).

Walaupun demikian, dalam bab ini periodisasi yang disampaikan ialah Era Kuno (Sebelum 600), Era Abad Pertengahan (600-1450), Era Renaisans (1450-1600), Era Barok (1600-1750), Era Klasik (1750-1820), Era Romantik (1820-1900), dan Era Kontemporer (1900-Sekarang)

FUNGSI MUSIK

2009-10-29T13:11:00.003+09:00

Sebagai bagian dari kesenian yang merupakan salah satu dari tujuh unsur kebudayaan universal, musik memiliki fungsi sosial yang secara universal umumnya dapat ditemukan di setiap kebudayaan suku bangsa manapun di seluruh dunia.

Fungsi Ekspresi Emosional

Pada berbagai kebudayaan, musik memiliki fungsi sebagai kendaraan dalam mengekspresikan ide-ide dan emosi. Di Barat musik digunakan untuk menstimulasi perilaku sehingga dalam masyarakat mereka ada lagu-lagu untuk menghadirkan ketenangan. Para pencipta musik dari waktu ke waktu telah menunjukkan kebebasannya mengungkapkan ekspresi emosinya yang dikaitkan dengan berbagai objek cerapan seperti alam, cinta, suka-duka, amarah, pikiran, dan bahkan mereka telah mulai dengan cara-cara mengotak-atik nada-nada sesuai dengan suasana hatinya.

Fungsi Penikmatan Estetis

Pada dasarnya setiap orang telah dikaruniai oleh Tuhan Allah dengan berbagai kemampuan belajar (ability to learn) dan bakat (talent) tentang apa saja. Selain bisa belajar dari lingkungan alam dan sosialnya, orang juga bisa belajar dari pengalamannya sendiri. Setiap orang memiliki kemampuan dan kecepatan berbeda-beda dalam hal mencerap atau memahami keindahan tentang apa saja termasuk pula keindahan musik.

Untuk menikmati rasa indah (estetis), maka orang perlu belajar dengan cara membiasakan diri mendengarkan musik-musik kesukaannya sendiri. Kemudian ia bisa mulai mencoba endengarkan musik-musik jenis lain yang baru didengarnya dan kemudian akan menyukainya. Setiap jenis musik memiliki keunikan melodis, ritmis, dan harmonis; maupun terkait dengan komposisi dan instrumentasinya.

Fungsi Hiburan

Hiburan (entertainment) adalah suatu kegiatan yang menyenangkan hati bagi seseorang atau publik. Musik sebagai salahsatu cabang seni juga memiliki fungsi menyenangkan hati, membuat rasa puas akan irama, bahasa melodi, atau keteraturan dari harmoninya. Seseorang bisa saja tidak memahami teks musik, tetapi ia cukup terpuaskan atau terhibur hatinya dengan pola-pola melodi, atau pola-pola ritme dalam irama musik tertentu.

Jika para penikmat musik klasik sangat senang dengan kompleksitas bangun musik dan orkestrasinya, maka pencinta musik pop lebih terhibur dengan teks syair, melodi yang menyentuh kalbu, atraksi panggung, atau bahkan hanya popularitas penyanyinya saja. Kini musik bahkan ditengarai lebih berfungsi hiburan karena industri musik berkembang dengan sangat cepat.

Fungsi Komunikasi

Musik sudah sejak dahulu digunakan untuk alat komunikasi baik dalam keadaan damai maupun perang. Komunikasi bunyi yang menggunakan sangkakala (sejenis trumpet), trumpet kerang juga digunakan dalam suku-suku bangsa pesisir pantai, kentongan juga digunakan sebagai alat komunikasi keamanan di Jawa, dan teriakanteriakan pun dikenal dalam suku-suku asli yang hidup baik di pegunungan maupun di hutan-hutan. Bunyi-bunyi teratur, berpola-pola ritmik, dan menggunakan aluralur melodi itu menandakan adanya fungsi komunikasi dalam musik. Komunikasi elektronik yang menggunakan telepon semakin hari semakin banyak menggunakan bunyi-bunyi musikal.

Fungsi Representasi Simbolik

Dalam berbagai budaya bangsa, suku-suku, atau daerah-daerah yang masih mempertahankan tradisi nenek-moyang mereka; musik digunakan sebagai sarana mewujudkan simbol-simbol dari nilai-nilai tradisi dan budaya setempat. Kesenangan, kesedihan, kesetiaan, kepatuhan, penghormatan, rasa bangga, dan rasa memiliki, atau perasaan-perasaan khas mereka disimbolkan melalui musik baik secara sendiri maupun menjadi bagian dari tarian, syair-syair, dan upacaraupacara.

Fungsi Respon Sosial

Para pencipta lagu nasional Indonesia sangat peka terhadap adanya kondisi sosial, tingkat kesejahteraan rakyat, dan kegelisahan masyarakat. Mereka menciptakan lagu-lagu populer yang menggunakan syair-syair menyentuh perhatian publik seperti yang dilakukan oleh Bimbo, Ebiet G. Ade, Iwan Fals, Harry Roesli, Gombloh, Ully Sigar Rusady, dan masih banyak lagi. Pada umumnya para pencipta lagu itu melakukan kritik sosial dan bahkan protes keras terutama ditujukan kepada pemerintah. Para pengamen jalanan juga tak kalah seru mengumandangkan lagu-lagu protes sosialnya, misalnya lagu yang bertema PNS, penderitaan anak jalanan, generasi muda yang tanpa arah, dan lain sebagainya.

Fungsi Pendidikan Norma Sosial

Musik banyak pula digunakan sebagai media untuk mengajarkan norma-norma, aturan-aturan yang sekalipun tidak tertulis namun berlaku di tengah masyarakat. Para pencipta lagu anak seperti Bu Kasur, Pak Kasur, Pak Daljono, AT Mahmud, Ibu Sud—semua berupaya mengajarkan anak-anak berperilaku sopan, halus, hormat kepada orangtua, cinta keindahan, sayangi tanaman dan binatang, patuh pada guru, dan lain sebagainya. Keindahan alam, kesejahteraan sosial, kenyamanan hidup, dan semua norma-norma kehidupan bermasyarakat telah mendapatkan perhatian yang sangat penting dari para pencipta lagu tersebut.

Fungsi Pelestari Kebudayaan

Lagu-lagu daerah banyak sekali berfungsi sebagai pelestari budayanya, karena tema-tema dan cerita di dalam syair menggambarkan budaya secara jelas. Syair-syair lagu sering juga berasal dari pantunpantun yang biasa dilantunkan oleh masyarakat adat dan daerah-daerah di Indonesia. Budaya Minangkabau dapat dipertahankan keberadaannya dengan berbagai cara, tetapi musik Minang sangat jelas karakteristiknya yang mudah mewakili daya tarik terhadap tempat berkembangnya budaya itu ialah Propinsi Sumatera Barat dan sekitarnya. Lagu-lagu Jawa, mulai dari yang klasik hingga kini yang berwarna populer seperti musik campursari, digemari masyarakat Jawa Tengah dan Daerah Istimewa Yogyakarta untuk melengkapi musik kroncong yang lebih dahulu berkembang. Ada budaya Jawa yang dilestarikan melalui syairsyair berbasa Jawa, melodi-melodi yang bernuansa Jawa dari karawitan. Musik Sunda dan sekitarnya di Propinsi Jawa Barat memiliki rasa yang sangat khas adalah bagian dari upacara-upacara sosial dan keagamaan masyarakatnya. Indonesia memiliki kekayaan budaya dan terutama musiknya seperti termasuk yang paling dikenal dunia seperti Jawa Timur, Bali, Kalimantan, Sulawesi, dan bahkan Papua.

Fungsi Pemersatu Bangsa

Setiap bangsa memiliki lagu kebangsaan (national anthem) yang mewakili citarasa estetik, semangat kebangsaan, dan watak dari budaya masing-masing. Lagu kebangsaan Indonesia Raya ciptaan Wage Rudolf Soepratman adalah lagu atau musik yang diciptakan untuk mempersatukan bangsa Indonesia yang mendiami daerah-daerah di wilayah Nusantara yang terdiri dari ribuan pulau besar dan kecil. Keaneka-ragaman budaya yang sangat banyak jumlahnya harus dirangkum dalam satu kesatuan budaya nasional tanpa meninggalkan budaya-budaya lokal. Dalam kesatuan tanah-air, bangsa, dan bahasa; Indonesia diperkenalkan kepada dunia melalui Indonesia Raya. Tetapi, lagu-lagu nasional Indonesia juga tidak sedikit yang bisa berfungsi sebagai pemersatu bangsa sekalipun bukan sebagai lagu kebangsaan, contohnya antara lain Berkibarlah Benderaku, Bangun Pemudi-Pemuda, Bagimu Negeri, Satu Nusa Satu Bangsa, Indonesia Pusaka, Hari Merdeka, Rayuan Pulau Kelapa, Mars Pancasila, Halo-Halo Bandung, dan Syukur.

Fungsi Promosi Dagang

Musik yang dikreasi untuk kepentingan promosi dagang kini banyak berkembang seiring dengan laju pertumbuhan iklan yang disiarkan melalui radio-radio siaran dan televisi-televisi swasta terutama di Jakarta dan kota-kota besar di Indonesia. Musik-musik iklan bisa saja dirancang oleh penciptanya secara baru, tetapi juga ada yang berbentuk penggalan lagu yang sudah ada, sudah populer, dan digemari segmen pasar yang dituju.

MANFAAT MUSIK

2009-10-28T12:33:00.007+09:00

Dari perspektif filsafat, musik diartikan sebagai bahasa nurani yang menghubungkan memahaman dan pengertian antar manusia pada sudut-sudut ruang dan waktu, di mana pun kita berada. Oleh karena itu Nietzsche, seorang filsuf Jerman, meyakini bahwa musik tidak diragukan dapat memberikan kontribusi yang positif bagi kehidupan manusia. Sehubungan dengan itu ia mengatakan: "Without music, life would be an error." Dalam kenyataannya musik memang memiliki fungsi atau peran yang sangat penting sehingga tidak satupun manusia yang bisa lepas dari keberadaan musik.

Musik Sebagai Hiburan

Aristoteles, filsuf Yunani yang lahir di Stagira pada tahun 384 SM, mengatakan bahwa musik mempunyai kemampuan untuk mendamaikan hati yang gundah. Sehubungan dengan itu musik memiliki efek terapi yang rekreatif dan lebih jauh lagi dapat menumbuhkan jiwa patriotisme. Pandangan Aristoteles ini setidaknya memberikan gambaran kepada kita bahwa dalam mengarungi bahtera kehidupannya, manusia tidak selalu menjumpai hal-hal yang menyenangkan. Suatu ketika ia bisa mengalami peristiwa yang menyedihkan, memilukan, atau bahkan menyakitkan, sedangkan di lain waktu, bisa juga mengalami peristiwa yang sungguh menyenangkan. Musik dapat mempengaruhi hidup seseorang, hanya dengan musik, suasana ruang batin seseorang dapat dipengaruhi. Entah apakah itu suasana bahagia ataupun sedih, bergantung pada pendengar itu sendiri. Yang pasti, musik dapat memberi semangat pada jiwa yang lelah, resah dan lesu. Apalagi bagi seseorang yang sedang jatuh cinta, musik seakan-akan dapat menjadi kekuatan untuk menyemangati perjalanan cinta seseorang. Sebagai hiburan, musik dapat memberikan rasa santai dan nyaman atau penyegaran pada pendengarnya. Terkadang ada saat pikiran kita lagi risau, serba buntu, dan tidak tahu apa yang harus dilakukan; dengan mendengarkan musik, segala pikiran bisa kembali segar. Hasilnya, kita bersemangat kembali mengerjakan sesuatu yang tertunda. Di samping itu sebagai hiburan, musik juga dapat menyembuhkan depresi, musik terbukti dapat menurunkan denyut jantung. Ini membantu menenangkan dan merangsang bagian otak yang terkait ke aktivitas emosi dan tidur. Peneliti dari Science University of Tokyo menunjukkan bahwa musik dapat membantu menurunkan tingkat stres dan gelisah. Penelitian menunjukkan bahwa mendengarkan musik klasik adalah cara terbaik untuk membantu mengatasi depresi.

Musik dan Terapi Kesehatan

Musik dapat berfungsi sebagai alat terapi kesehatan. Ketikasese orang mendengarkan musik, elombang listrik yang ada di otaknya dapat diperlambat atau dipercepat dan pada saat yang ama kinerja sistem tubuh pun mengalami perubahan. Bahkan, musik mampu mengatur hormon- hormon yang mempengaruhi stres seseorang, serta mampu meningkatkan daya ingat. Musik dan kesehatan memiliki kaitan erat, dan tidak diragukan bahwa dengan mendengarkan musik kesukaannya seseorang akan mampu terbawa ke dalam suasana hati yang baik dalam waktu singkat. Musik juga memiliki kekuatan memengaruhi denyut jantung dan tekanan darah sesuai dengan frekuensi, tempo, dan volumenya. Makin lambat tempo musik, denyut jantung semakin lambat dan tekanan darah menurun. Akhirnya, pendengar pun terbawa dalam suasana santai, baik itu pada pikiran maupun tubuh. Oleh karena itu, sejumlah rumah sakit di luar negeri mulai menerapkan terapi musik pada pasiennya yang mengalami rawat inap. Musik dapat menyembuhkan sakit punggung kronis, ia bekerja pada sistem syaraf otonom yaitu bagian sistem syaraf yang bertanggung jawab mengontrol tekanan darah, denyut jantung, dan fungsi otak—yang mengontrol perasaan dan emosi. Menurut penelitian, kedua sistem tersebut bereaksi sensitif terhadap musik. Ketika kita merasa sakit, kita menjadi takut, frustasi dan marah yang membuat kita menegangkanratusan otot dalam punggung. Mendengarkan musik secara teratur membantu tubuh santai secara fisik dan mental sehingga membantu menyembuhkan dan mencegah sakit punggung. Para ahli yakin setiap jenis musik klasik seperti Mozart atau Beethoven dapat membantu sakit otot. Fungsi kesehatan lain ialah untuk membantu kelahiran. Dengan memperdengarkan musik, ibu hamil akan terbantu dalam menghadapi rasa sakit saat melahirkan. Bentuk ekspresi melalui musik dapat menyembuhkan sakit dalam tubuh dan membantu otot menjadi relaks. Dokter menganjurkan jenis musik klasik atau musik masa kini tetapi mendengarkan musik pilihan sendiri juga baik. Telah terbukti bahwa musik juga sangat membantu anak sebelum menjalani operasi. Mendengarkan musik bagi anak yang tengah menunggu operasi dapat membantu menyembuhkan ketakutan dan gelisah karena musik membantu menenangkan ketegangan otot. Meskipun tidak ada musik khusus, musik-musik yang akrab bagi anakanak jelas yang terbaik.

Musik dan Kecerdasan

Musik memiliki pengaruh terhadap peningkatan kecerdasan manusia. Salah satu istilah untuk sebuah efek yang bisa dihasilkan sebuah musik yang memiliki kemampuan untuk meningkatkan intelegensia seseorang, yaitu Efek Mendengarkan Musik Mozart. Hal ini sudah terbukti, ketika seorang ibu yang sedang hamil duduk tenang, seakan terbuai alunan musik tadi yang juga ia perdengarkan di perutnya. Hal ini dimaksudkan agar kelak si bayi akan memiliki tingkat intelegensia yang lebih tinggi dibandingkan dengan anak yang dibesarkan tanpa diperkenalkan pada musik. Dengan cara tertentu, otak pun akan distimulasi untuk “belajar” segala sesuatu lewat nada-nada musik. Selain itu, musik-musik yang berirama klasik adalah jenis musik yang dianjurkan banyak pakar buat ibu hamil dan si bayi, yaitu bisa mencerdaskan bayi dan juga bisa memberi ketenangan buat ibu yang sedang hamil. Sehubungan dengan itu mencegah kehilangan daya ingat. Bagi banyak orang yang mengalami kehilangan daya ingat dimana berbicara dengan bahasa menjadi tidak berguna. Musik dapat membantu pasien mengingat nada atau lagu dan berkomunikasi dengan sejarah mereka. Ini karena bagian otak yang memproses musik terletak sebelah memori. Para peneliti menunjukkan bahwa orang dengan kehilangan daya ingat merespon lebih baik terhadap jenis musik pilihannya.

Musik dan Kepribadian

Musik diyakini dapat meningkatkan motivasi seseorang. Bagi orang yang berolahraga musik dapat meningkatkan motivasi untuk melakukan olahraga yang lebih baik. Untuk selanjutnya pada saat berolahraga musik membantu olahragawan untuk meningkatkan daya tahan, meningkatkan mood dan mengalihkan olahragawan dari setiap pengalaman yang tidak nyaman selama olahraga. Jenis musik terbaik untuk olah raga adalah musik dengan musik tempo tinggi seperti hip-hop atau musik dansa. Motivasi adalah hal yang hanya bisa dilahirkan dengan perasaan dan suasana hati tertentu. Apabila ada motivasi, semangat pun akan muncul dan segala kegiatan bisa dilakukan. Begitu juga sebaliknya, jika motivasi terbelenggu, maka semangat pun menjadi luruh, lemas, tak ada tenaga untuk beraktivitas. Coba saja diingat saat upacara bendera setiap Senin pagi yang di dalam upacara tersebut kita diwajibkan menyanyikan lagu wajib nasional itu, semata-mata kan hanya untuk menimbulkan motivasi mencintai negeri, mengenang jasa pahlawan, dan memberi semangat baru pada pesertanya. Hal ini seharusnya berlaku juga pada irama mars yang merupakan irama untuk mengobarkan semangat perjuangan. Perkembangan kepribadian seseorang juga mempengaruhi dan dipengaruhi oleh jenis musik yang didengar. Sewaktu kecil ita suka mendengarkan lagu-lagu anak, setelah dewasa kita pun akan memilih sendiri jenis musik yang kita sukai. Pemilihan jenis musik yang disukai bisa dibilang membantu kita untuk memberikan nuansa hidup yang kita butuhkan.

PERLUKAH BELAJAR SEJARAH MUSIK

2009-10-27T12:41:00.008+09:00

Musik pada hakikatnya adalah bagian dari seni yang menggunakan bunyi sebagai media enciptaannya. Walaupun dari waktu ke waktu beraneka ragam bunyi, seperti klakson maupun mesin sepeda motor dan mobil, handphone, radio, televisi, tape recorder, dan sebagainya senantiasa mengerumuni kita, tidak semuanya dapat dianggap sebagai musik karena sebuah karya musik harus memenuhi syarat-syarat tertentu. Syarat-syarat tersebut merupakan suatu sistem yang ditopang oleh berbagai komponen seperti melodi, harmoni, ritme, timbre (warna suara), tempo, dinamika, dan bentuk. Sebelum lebih jauh membahas syarat-syarat tersebut berikut aspek-aspek lain yang terkait dengannya seperti sejarah musik, pencipta musik, karya-karya musik, dan berbagai formasi pertunjukan musik, bab ini akan terlebih dahulu meninjau beberapa definisi tentang musik, fungsi musik, dan jenis-jenis musik.

Pengertian Musik

Walaupun banyak dari para ahli musik telah mencoba memberikan definisi tentang musik, namun hingga kini belum ada satupun yang diyakini merupakan satu-satunya pengertian yang paling lengkap. Tampaknya ada yang memahami musik sebagai kesan terhadap sesuatu yang ditangkap oleh indera pendengarannya. Di samping itu ada juga yang pemahamannya bertolak dari asumsi bahwa musik adalah suatu karya seni dengan segenap unsur pokok dan pendukungnya. Walaupun demikian ada juga yang berbeda pandangan dari kedua model tersebut. Terlepas dari berbagai perbedaan sudut pandang tersebut, beberapa definisi berikut ini dapat membantu kita untuk memahami pengertian tentang musik. Dari penulis-penulis Indonesia di antaranya dapat dijumpai sejumlah definisi tentang musik: Jamalus (1988, 1) perpendapat bahwa musik adalah suatu hasil karya seni bunyi dalam bentuk lagu atau komposisi musik yang mengungkapkan pikiran dan perasaan penciptanya melalui unsur-unsur musik yaitu irama, melodi, harmoni, bentuk dan struktur lagu dan ekspresi sebagai satu kesatuan. Rina (2003,9) setuju dengan pendapat bahwa musik merupakan salah satu cabang kesenian yang pengungkapannya dilakukan melalui suara atau bunyibunyian. Prier (1991, 9) setuju dengan pendapat Aristoteles bahwa musik merupakan curahan kekuatan tenaga penggambaran yang berasal dari gerakan rasa dalam suatu rentetan suara (melodi) yang berirama. Menurut ahli perkamusan (lexicographer) musik ialah: ”Ilmu dan seni dari kombinasi ritmis nada-nada, vokal maupun instrumental, yang melibatkan melodi dan harmoni untuk pengekspresikan apa saja yang memungkinkan, namun khususnya bersifat emosional Walaupun demikian selama berabad-abad para ahli menganggap bahwa definisi kamus tersebut kurang memuaskan. Sebagai alternatif, di antaranya ada yang memahami musik sebagai ”bahasa para dewa”; yang lain mengatakan bahwa: ”music begins where speech ends” (musik mulai ketika ucapan berhenti). Romain Rolland berpendapat bahwa musik adalah suatu janji keabadian; bagi Sydney Smith musik ialah satusatunya pesona termurah dan halal di muka bumi. Goethe berpendapat bahwa musik mengangkat dan memuliakan apa saja yang iekspresikannya. Mendelssohn meyakini bahwa musik dapat mencapai suatu wilayah yang kata-kata tidak anggup mengikutinya, dan Tchaikovsky berkata bahwa musik adalah ilham yang menurunkan kepada kita keindahan yang tiada taranya. Musik adalah logika bunyi yang tidak seperti sebuah buku teks atau sebuah pendapat. Ia merupakan suatu susunan vitalitas, suatu mimpi yang kaya akan bunyi, yang terorganisasi dan terkristalisasi. Sehubungan dengan itu Herbert Spencer, seorang filsuf Inggris mempertimbangkan musik sebagai seni murni tertinggi yang terhormat. Dengan demikian musik adalah pengalaman estetis yang tidak mudah dibandingkan pada setiap orang, sebagaimana seseorang dapat mengatakan sesuatu dengan berbagai cara (Ewen 1963, vii-viii). Dari perspektif interpretasi atau penikmatannya, musik juga dapat dipahami sebagai bahasa karena ia memiliki beberapa karakteristik yang mirip dengan bahasa. Berkaitan dengan hal tersebut Machlis (1963, 4) memahami musik sebagai bahasa emosi-emosi yang tujuannya sama seperti bahasa pada umumnya, yaitu untuk mengkomunikasikan pemahaman. Sebagai bahasa musik juga memiliki tata bahasa, sintaksis, dan retorika, namun tentunya musik merupakan bahasa yang berbeda. Setiap kata-kata memiliki pengertian yang kongkrit, sementara nada-nada memiliki pengertian karena hubungannya dengan nada-nada yang lain. Kata-kata mengekspresikan ide-ide yang spesifik sedangkan musik menyugestikan pernyataan-pernyataan misterius dari pikiran atau perasaan. Dari beberapa pendapat di atas setidaknya dapat dipahami bahwa musik merupakan salah satu cabang seni pertunjukan seperti tari, drama, puisi, dan sebagainya. Sebagai sebuah karya seni, musik adalah Terjemahan dari: “The science and art of the rhytmic combination of tones, vocal orinstrumental, embracing melody and harmony for the expression of anything possible by this means, but chiefly emotional” (Ewen 1963, vii). ungkapan perasaan seseorang yang dituangkan lewat komposisi jalinan nada atau melodi, baik dalam bentuk karya vokal maupun instrumental. Di samping itu musik adalah suatu karya seni yang tersusun atas kesatuan unsur-unsur seperti irama, melodi, harmoni, bentuk atau struktur, dan ekspresi.